Olis Paintings
Oli – Der Weg vom Hotelkaufmann zum Maler: Eine Reise zwischen Bipolarität und Kreativität
Schon als Kind träumt Oli von einer Welt aus Farben und Formen. Ein Leben, das von der Freiheit des kreativen Ausdrucks geprägt ist, in dem er sich ungehindert mit der Kunst des Malens auseinandersetzen kann. Doch das Leben, so wie es oft spielt, hält andere Pläne für ihn bereit.
Statt den Pinsel in die Hand zu nehmen, folgt Oli den konventionellen Wegen, die ihm seine Umgebung vorgibt – und doch bleibt der Drang nach Kunst immer präsent. Die Geschichte von Olis Lebensweg ist nicht nur eine Geschichte des Verzichts, sondern auch der Transformation. Sie ist eine Geschichte über den Mut, das Leben zu ändern und sich auf die Suche nach dem zu machen, was einen wirklich erfüllt.
Die Kindheit: Der erste Kontakt mit der Kunst
Schon als Kind hat Oli eine tiefe Verbindung zur Kunst. Farben und Formen sind seine ersten Begleiter, die ihn in seiner Kindheit stets faszinieren. Es ist eine Zeit des Spiels und der Entdeckung, eine Zeit, in der er die Welt auf seine eigene, kreative Weise wahrnimmt. Diese frühen Eindrücke prägen ihn nachhaltig und hinterlassen einen bleibenden Wunsch, sich mit der Welt der Kunst intensiver auseinanderzusetzen.
Doch wie viele Kinder, die von einem Traum getrieben werden, muss auch Oli schnell die Realität kennenlernen. Die Welt außerhalb seines kreativen Universums ist nicht immer bereit, diese Leidenschaft zu akzeptieren oder zu fördern. Stattdessen wird der Fokus auf praktische Lebensentscheidungen gelegt, und Oli findet sich schließlich in einer ganz anderen Richtung wieder – einer Richtung, die ihn weiter weg von der Kunst führt, als er es sich je hat vorstellen können.
Die Jugend: Der Weg zum Mode-Design
Im Jugendalter erlebt Olis Interesse eine entscheidende Wendung: Die faszinierende Welt der Mode zieht ihn in ihren Bann und entfacht eine Leidenschaft für das Design von Kleidung. Für ihn ist Mode weit mehr als nur ein äußerlicher Stil – sie stellt eine kraftvolle Möglichkeit dar, die Identität eines Menschen zu transformieren und neu zu gestalten. Mode wird für Oli zu einer Form der „Verwandlungskunst“, die es ermöglicht, das Selbstbild einer Person zu verändern und zugleich die Wechselwirkungen zwischen dem Träger und seiner Umwelt zu beeinflussen.
Dieser Gedanke, dass Mode nicht nur das äußere Erscheinungsbild, sondern auch das Innenleben eines Menschen prägen kann, fasziniert Oli. Die Macht der Kleidung, die Art und Weise, wie sie die Wahrnehmung eines Menschen formt und verändert, wird zu einem zentralen Thema in seiner frühen Auseinandersetzung mit der Kunst. Dieses Wechselspiel aus Ursache und Wirkung, das Spiel mit den Parametern von Identität, Wahrnehmung und Veränderung, ist auch heute noch ein Leitmotiv in Olis Arbeiten. Es ist der rote Faden, der seine künstlerische Reise begleitet und seine Werke durchzieht.
Der Berufliche Werdegang: Vom Hotelkaufmann zum Filmproduzenten
Ungeachtet der brennenden Leidenschaft für Kunst und Design, die Ihn schon seit seiner Jugend begleitet, entscheidet sich Oli einem vermeidlich sicheren und ,,vernünftigen‘‘ Weg zu folgen. Die Stimmen der Vernunft und der Gesellschaft flüstern ihm zu, dass er einen ,,anständigen‘‘ Beruf wählen sollte – einen Beruf, der ihm ein gutes Einkommen sichert und Ihm hilft, Spuren zu hinterlassen. So lässt er seine künstlerische Seele zunächst ruhen und tritt in die Fußstapfen einer Tradition, die ihm ein solides Fundament verspricht. Er wird Hotelkaufmann, dann start-up Filmproduzent und schließlich Marketingberater. Doch in jedem dieser Karriereschritte spürt er, wie die Sehnsucht nach der Freiheit, sich Kreativ auszudrücken, tief in Ihm weiterlebt – wie ein Feuer, das man nicht löschen kann.
Doch trotz des großen kreativen Potenzials, das viele seiner beruflichen Tätigkeiten mit sich bringt, fühlt sich Oli zunehmend entfremdet. Die Projekte, an denen er arbeitet, haben wenig mit den übergeordneten, sinnstiftenden Zielen zu tun, die er sich insgeheim immer gewünscht hat. Die Kunst, die er in seiner Kindheit so geliebt hat, rückt immer weiter in den Hintergrund. Und Oli realisiert, dass er ein Leben führt, das nicht seinem wahren Selbst entspricht.
Dieses Gefühl der Entfremdung führt schließlich zu einer klassischen „Midlife-Crisis“. Der Druck und die Frustration wachsen, bis Oli schließlich beschließt eine Auszeit zu nehmen und an sich selbst zu arbeiten. In dieser Phase der Reflexion kommt es zu einer entscheidenden Wendung in seinem Leben.
Der Wendepunkt: Die Entscheidung, Künstler zu werden
An seinem 50. Geburtstag fällt Oli eine Entscheidung, die sein Leben für immer verändern soll: Er wird seine zweite Lebenshälfte als Maler verbringen. Es ist eine spontane, aber tief durchdachte Entscheidung, die er trifft. „Das wollte ich schon immer machen“, sagt er sich. „Schon als Kind habe ich davon geträumt, Maler zu werden.“ Doch immer wieder waren es die äußeren Umstände, die ihn davon abhielten – der Druck der Gesellschaft, die Notwendigkeit Geld zu verdienen, die Erwartungen der Familie. Nun, zu einem Zeitpunkt, an dem er seine eigenen Werte und Bedürfnisse klarer versteht, ist er endlich bereit, den Traum zu leben, der ihm so lange verwehrt geblieben ist.
Mit jedem Pinselstrich entfaltet sich Olis kreative Vision, die über die bloße Fantasie hinaus geht und tief in die Schichten seiner eigenen Lebenserfahrungen eintaucht. Die Malerei wird für ihn mehr als nur ein künstlerischer Ausdruck. Sie wird ein Spiegelbild der Dualitäten, die das Leben prägen. In seinen Werken verschmelzen die Widersprüche des Daseins zu einer kraftvollen Einheit: Mit seinen typisch hellen und leuchtenden Farben erinnern seine Werke an das Glück, welches aus der Bipolarität der Schönheit und Freude des Lebens sowie den Schattenfarben der Angst und des Schmerzes resultiert. Spuren seiner Reise durch die Höhen und Tiefen des Lebens, die Ihn zu dem Künstler gemacht haben, der er heute ist.
Die Kunst von Oli: Zwischen Figurativem und Abstraktem
Olis Kunstwerke sind einzigartig in ihrer Tiefe und Ausdruckskraft. Was seine Malerei so besonders macht, ist der Dialog zwischen den verschiedenen Ebenen der Realität. In seinen Bildern finden sich sowohl figurative Elemente als auch abstrakte Formen, die miteinander in Beziehung treten und ein ständiges Wechselspiel zwischen Klarheit und Ambiguität schaffen.
Ein zentrales Thema in Olis Arbeiten ist die „Bipolarität“ des Lebens. Der Gegensatz zwischen positiven und negativen Erfahrungen. Zwischen Licht und Schatten, zwischen Nähe und Distanz. Diese Polaritäten sind das, was das Leben ausmacht und sie finden sich auch in seinen Bildern wieder. Es ist dieser Dualismus, den Oli in seinen Werken darstellt – die Verbindung von Schönheit und Trauer, Freude und Einsamkeit. Glück und Angst. Ursache und Wirkung.
Die Schichtarbeit, die in Olis Bildern sichtbar wird, ist ein weiteres charakteristisches Merkmal seines Stils. Jedes Bild wird in mehreren Schichten aufgebaut, wobei jede Schicht eine neue Ebene der Bedeutung und Interpretation hinzufügt. Diese Schichtung erzeugt eine Tiefe, die den Betrachter dazu einlädt, immer wieder neue Details und Facetten zu entdecken. Was auf den ersten Blick noch abstrakt erscheint, entfaltet sich nach längerem Betrachten als konkretes Bild, und das, was zunächst greifbar wirkt, verwandelt sich in eine abstrakte Darstellung. Diese wechselnden Perspektiven sind das, was Olis Kunst so faszinierend und vielschichtig macht.
Die Farben und Formen entnimmt er Gedichten, in denen er seit Jahren seine Hoffnungen und Ängste formuliert. Dieser bipolare Prozess ist das zentrale Momentum seiner Arbeit.
Die Wirkung seiner Kunst: Eine Erinnerung an die Schönheit des Lebens
Oli ist davon überzeugt, dass Kunst vor allem eine Aufgabe hat: Sie soll uns daran erinnern, dass das Leben und wir alle – trotz aller Schwierigkeiten und Herausforderungen – schön sind. In einer Welt, die oft von Angst, Isolation und Entfremdung geprägt ist, ist es seine Absicht, mit seinen Bildern eine Brücke zu schlagen, die den Betrachter an die positiven Seiten des Lebens erinnert. „Ich möchte an Dingen arbeiten, die mich und andere glücklich machen“, sagt Oli. „Und das sollen meine Bilder vermitteln: Dass das Leben schön ist, dass wir schön sind – trotz allem.“
Die Vielfalt in Olis Arbeiten, die nach längerem Betrachten immer wieder neue Entdeckungen zulassen, ist ein Ausdruck dieses Glaubens an die Schönheit des Lebens. Es sind Bilder, die nie ganz abgeschlossen sind, die immer wieder neue Perspektiven bieten und den Betrachter zu einer tieferen Auseinandersetzung mit sich selbst und der Welt anregen.
Der Weg eines Künstlers
Olis Weg, vom Hotelkaufmann über den Filmproduzenten und Marketingberater bis hin zum Maler, ist eine kraftvolle Erzählung über den Mut, den eigenen Träumen zu folgen, selbst wenn sie sich fern und unerreichbar anfühlen. Es ist die Geschichte eines tiefen inneren Wandels, einer Reise zur Selbstverwirklichung und der unaufhörlichen Suche nach dem wahren Sinn des Lebens. Durch die Kunst findet Oli nicht nur eine Möglichkeit, sich selbst auszudrücken, sondern auch einen Heilungsprozess, der ihn in den dunkelsten Momenten begleitet und ihm hilft, die Welt mit neuen Augen zu sehen.
Mit seiner Malerei erinnert uns Oli an die Bedeutung der Bipolarität des Lebens und zeigt uns, dass sowohl die hellen als auch die dunklen Seiten des Lebens ihren Platz haben. In einer Welt, die oft von Schwarz-Weiß Denken geprägt ist, lädt uns Oli ein, die Vielfalt der Erfahrungen zu akzeptieren und das Leben in seiner ganzen Tiefe und Schönheit zu feiern.
Oli hat sich entschlossen, seine zweite Lebenshälfte dem Malen zu widmen. Und mit jedem Pinselstrich schenkt er uns eine Erinnerung daran, dass wahre Schönheit in uns allen wohnt, ganz unabhängig von unseren Fehlern und Ängsten. Seine Kunst spricht eine tiefe Wahrheit aus: Wir sind vollkommen, genau so wie wir sind, und verdienen es, uns selbst in all unserer einzigartigen Pracht zu sehen.
Wolfgang Arnold
Ein Leben für die Kunst und ihre Vielfalt
Eisenach, Deutschland – Wolfgang Arnold, geboren 1954 in Eisenach, ist weit mehr als nur ein Restaurator und Künstler. Mit einer faszinierenden Lebensgeschichte und einem leidenschaftlichen Engagement für die bildende Kunst hat er eine reiche künstlerische Erfahrung aufgebaut, die ihn zu einem bedeutenden Namen in der Kunstszene macht.
Arnolds Reise durch die Welt der Kunst begann früh in seiner Kindheit auf dem Dorf bei Eisenach. Schon damals zeigte er ein außergewöhnliches Interesse an Bildern, Kunst und Geschichte, das ihn auf seinem Lebensweg begleitete. Inspiriert von Meisterwerken der bildenden Kunst und der Geschichte, verbrachte er viele Stunden damit, zu zeichnen und sich mit verschiedenen Epochen und Kulturen auseinanderzusetzen.
Nach einer Ausbildung als Maler absolvierte Arnold ein Studium als Restaurator an der Fachhochschule für Werbung und Gestaltung Berlin, Außenstelle Potsdam. Sein Interesse erstreckte sich von der gotischen Kunst bis hin zur Kunst des 20. Jahrhunderts, wobei er sich intensiv mit verschiedenen Techniken und Stilen auseinandersetzte. Neben seiner Tätigkeit als freiberuflicher Restaurator war er auch als Fachberater für die Denkmalpflege tätig und fertigte Gutachten für Bauvorhaben innerhalb der Denkmalschutzbehörde Strausberg an.
Doch Arnolds Leidenschaft für die Kunst geht weit über die Restaurierung hinaus. Über die Jahre hinweg leitete er Malkurse in der künstlerischen Bildung in Schulen und Vereinen, unterrichtete Zeichen- und Maltechniken an Volkshochschulen und anderen Einrichtungen und schuf zahlreiche Illustrationen, Karikaturen und Wandbilder. Seine künstlerische Bandbreite reicht von Landschaftsmalerei und Plein-Air-Kunst bis hin zu experimenteller Fotografie und der Anfertigung von Stuckmarmor und Vergoldungstechniken.
Für Arnold ist Kunst nicht nur ein visuelles Erlebnis, sondern eine Quelle der Inspiration und des Ausdrucks. “Was ist Kunst und was kann Kunst bewirken?” fragt er und antwortet: “Schönheit, Kraft des Diabolischen, Symbolik, Chaos. Das Kunstwerk braucht den Betrachter als eigenen Künstler.”
Mit seinem reichen Erfahrungsschatz und seiner tiefen Leidenschaft für die Kunst bleibt Wolfgang Arnold eine herausragende Persönlichkeit, die die Welt der Kunst und Kultur nachhaltig bereichert.
Lia and Elvira
Lia
Lia Tee wurde in Siegen geboren, in einem sehr unspektakulären Umfeld voller
Baumärkte und freien evangelischen Gemeinden. Nach 7 Jahren in Köln zog sie 2015
nach Berlin. Ihre erste Kamera (eine Canon1800D) kaufte sie sich 2017.
Seit 2019 fing sie an, etwas professioneller zu fotografieren, neben ihrem Studium der
Vergleichenden Literaturwissenschaft und Film an der FU Berlin.
Ihre künstlerischen Motive sind Emotionen, fehlende Emotionen, Stärke, Schwäche,
der Mensch in Verbindung mit seiner Umwelt, Ambivalenz und Ambiguitätstoleranz,
und außerdem die Apokalypse. Ihre Bilder sind oft naiv, etwas out of focus oder
verschwommen, unperfekt . Alles aus einem feministischen Blickwinkel.
Die Models sind oft Freud:innen, die Geschichten, die erzählt werden, handeln von
zeitgenössischen Prozessen und entstehen oft unter Zuhilfenahme von
Alltagsgegenständen, wie zufällig und halb improvisiert.
Elvira
Elvira Nisman, ursprünglich 1989 in Moldawien geboren, hat ihren künstlerischen
Weg und Dasein erst 2019 nach einigen beruflichen und abenteuerlichen Stationen
gefunden. Die Leidenschaft und Hingabe zur Fotografie begleitet sie aber schon ein
Leben lang, vor allem als ein visuelles Medium zur eigenen Selbstbefreiung und nicht
zuletzt als Therapie.
Elviras Fotografien beschäftigen sich mit den Themen der Identität, unkonventioneller
Schönheit, unausgesprochenen zwischenmenschlichen Beziehungen, Emotionen und
Nicht-Emotionen.
Ihre Arbeiten zeichnen sich einerseits durch eine minimale, saubere Ästhetik und
andererseits durch plakative Dimensionen aus. Sie fordert gerne Unbequemes,
ungefilterte Wahrheiten und Bedrücktheit heraus und schafft es durch die Fotografie
und das Schreiben diese in ganz besondere eigene Schönheit zu transformieren.
Ihre Motive sind meistens Menschen, die sie zufällig auf ihren vielen Reisen anspricht,
Models aller Art, oder auch gerne beste Freunde, die vor Elviras Linse ihre ganz eigene
Geschichte erzählen – gerne mit einem poetischen, bitteren Nachgeschmack.
Elvira arbeitet sowohl frei künstlerisch in Projekten mit sozial- und gesellschaftlichem
Hintergrund, als auch für kommerzielle Kunden im Bereich der Werbefotografie. Sie ist
freiberuflich in Berlin, sowie weltweit einsatzbereit.
Nick Enselmann
Nick Enselmann (*1992 in Hagen) lebt seit 2014 in Berlin, wo er die abstrakte Malerei für sich entdeckt hat. Seit nunmehr fünf Jahren bespielt er analoge und digitale Leinwände, die der Ästhetik des Alltäglichen im Abstrakten Interpretationsspielräume eröffnen. Das Wandelbare in der Wahrnehmung steht im Fokus; ein Suchen und Finden in Formen und Farben, ein Gleichsehen und Anderssehen im Austausch derjenigen, die sich vor der Leinwand treffen – in der Kommunikation mit der Kunst. Dazu lädt die Ausstellung “Du siehst das, was ich nicht sehe?” ein.“
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 220 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 360 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 400 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 450 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 320 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 240 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 360 €
Dietrich Tosch
Dipl.-Designer
Studium in Berlin – Diplom der Akademie für Grafik und Design Berlin
„Ein Deutscher mit französischen Farben“
(Presse-Zitat: Riviera Côte d ́Azur-Zeitung 11/2007)
Umfangreiche Südfrankreich-Reisen haben meinen Malstil stark
beeinflusst. Es sind Bilder in den Farben der Provence, im Stil des
französischen Impressionismus und inspiriert von Renoir u. Monet.
Einzelausstellungen u.a. im „Maison de France“ am Kurfürstendamm
Berlin, bei Christofle und Féraud Berlin, Kunstauktion am Montmartre
Paris, in Montatair b. Paris und weitere Ausstellungen in Frankreich,
Berlin, Dresden, Potsdam und im Land Brandenburg.
Medienecho in Deutschland und Frankreich (u.a. „RIVIERA COTE
D ́AZUR-ZEITUNG“, „THE MONACO-TIMES“, „IL CORRIERE DELLA
COSTA AZZURA, „Rhein-Main Presse-Allgemeine Zeitung“, „Berliner
Morgenpost“, „B.Z.“, „Potsdamer Neueste Nachrichten“, „Dresdner
Kurier“, „Unternehmer Magazin“, „Kultur-Kanal“, „Art&Ambiente“ usw.
Liebhaber provençalischer Farbenpracht, heiterer französisch-
impressionistischer Bilder und des “savoir vivre”, fanden Interesse an
meinen Bildern.
Sie sind in Privatbesitz in Deutschland, Frankreich, Brasilien, den
Niederlanden und in New York.
dio – dioletart
Ganzes Video auf Youtube anschauen
Wir präsentieren euch ab dem 12.03.2022 die neue Berliner Künstlerin Dio. 1982 im Harz geboren, wuchs sie in einer kreativ
begabten Familie auf, Vater Steinbildhauermeister, Mutter Malerin.
Sie lebt seit 2012 in Berlin, die Stadt, die sie schon als Kind
magisch in ihren Bann gezogen hat und von der sie sich immer wieder
kreative Impulse erhofft. Hier arbeitet sie in der Verkaufsbranche im
Akquisitionsbereich.
Parallel dazu lebt sie ihre künstlerischen
Ambitionen sowohl in der Musik als auch in der
Malerei in vielen Facetten aus, denn schon seit
frühester Kindheit hat sie intuitiv nach kreativen
Ventilen gesucht, um ihren Emotionen Ausdruck
zu verleihen.
Als Singer-Songwriterin hat sie in mehreren Bands
ihre musikalische Seite verwirklichen können.
Derzeit arbeitet sie unter „ultradiolet“ an ihrem
Soloprojekt.
Beim Malen spielt das Hören von Musik für sie zudem eine entscheidende
Rolle, es öffnet Ihr den Zugang zum Malprozess.
Ausgestattet mit dem „Wiegentalent“ entwickelte sich dann
in der Jugend die Passion zur Malerei, welches sich in späteren Jahren nach ihrem Motto intensivierte:
„Die Kunst ist wie ein Portal – von meiner Seele zur Außenwelt“.
Sie beschreibt ihre eigenwillige Schaffensphase als einen für
sie intensiven Befreiungsprozess, der sich in der besonderen Technik und dem
Endergebnis reflektiert.
Die Geschöpfe in ihren Bildern verbergen sich für sie im
vermeintlichen Chaos des je nach Stimmung gespachtelten
Hintergrundes – sie „befreit“ sie lediglich und findet in
ihnen ihren „Seelenspiegel“.
„Wenn Gedanken oder Gefühle zu laut werden, weil Sie raus wollen, mache ich sie sichtbar.
In meinen Bildern werden Sie dann friedlich und geben mir Energie, so als spürte ich Ihre Dankbarkeit dafür, dass ich Sie befreit habe.“
Technik: Mehrschicht-Acrylmalerei,
Spachteltechnik,
Konturen- und Lackstifte, teils auch Blattgold
Die Künstlerin wünscht sich mit ihren Werken Menschen emotional positiv zu erreichen.
Sie möchte den Weg für den Blick in sich selbst öffnen, zum Nachdenken anregen und Hoffnung, Zuversicht sowie Lebensfreude vermitteln.
Wir freuen uns auf diese einzigartige Ausstellung und laden euch zu Dios Vernissage am 12.03.2022 ab 18:00 Uhr ein.
Kommt unbedingt vorbei!
Dorota Samborski
2012
Acryl auf Leinwand
100 x 100 x 3,5 cm
2400 €
2012-21
Acryl auf Leinwand
23K – Blattgold
100 x 100 x 2 cm
2400 €
2008 bis 20-21
Acryl auf Leinwand
85 x 140 x 2 cm
2600 €
2000
3D Objekt – Skulptur Mischtechnik
Alabastergips, Kunststoff Büste
Gesamthöhe ca. 44 cm
1450 €
2021
Orig.Burostempel
Acryl auf Holz – 23K BlattGold – 9 mm
Munition Luger, H 8,7 cm x B4,8 cm x T 2,3 cm
50 €
2021
Orig. Stempel mit Schriftzug – 3 x 9 mm
Munition – H 8,6 x B 5,2 x T 2 ,6 cm
50 €
2021
Orig.Stempel
23K BlattGold auf Holz – 3 x 9 mm
Munition Luger – H. 8,7 x B 4 x T bis 2,5 cm
50 €
Meriana Ejjeh
Meriana Ejjehs Werke setzen sich aktuell aus abstrakter Kunst, Portraits und zukünftigen Projekten zusammen, farblich intensiv gestaltet lassen sie einen großen Spielraum für Interpretationen. Sie will Hoffnung in den Menschen erwecken, Freude, Stärke und Liebe verteilen. Die Kunst begleitet Meriana schon ein Leben lang, war und ist ein wichtiger Bestandteil ihres Lebens. Ihre Liebe zur Kunst begleitet sie schon immer und sie berührt die Menschen mit ihren Werken. Wenn Meriana an ihren Werken arbeitet, ist sie in einer Art Trance. Sie projiziert ihre Emotionen, ihr Inneres und die Art wie sie sich und ihre Welt sieht auf die Leinwand, hier kommt auch ihre zerbrechliche Seite zur Geltung. Niemals geradlinig oder konstant, ebenso wie das Leben spielt. Um ihren Horizont zu erweitern und ihre Ideen professionell umzusetzen, schulte sie ihre Fertigkeiten. Ihr Ziel ist es, in renommierten Museen auszustellen und ihre Werke weltweit zu verkaufen. Meriana stellt ihre Werke nun seit Januar 2020 der Öffentlichkeit zur Verfügung. Sie wird, anlässlich ihrer Vernissage, ein Interview geben und steht gerne für Fragen oder Gespräche bereit. Die MT Galerie freut sich darauf euch eine sehr begabte Künstlerin mit Empathie, Herz und enormem Fachwissen vorzustellen.
50x70x3 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold, Kunstspachtel
2020
1800 €
20x20x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstspachtel, Sand
2019
2 Stück 1200 €
20x40x2 cm
Acryl auf Leinwand
Acrylgold, Kunstblattgold
2019
1225 €
20x40x2 cm
Acryl auf Leinwand
Acrylgold, Kunstblattgold
2019
1025 €
25x30x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier, Kunstspachel
2019
655 €
20x20x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier, Sand, Kunstblattgold
2019
825 €
Georgi Takev
Der KünstlerSeine Werke sind Ölgemälde, die abstrahierte, verfremdete Gesichter und Masken darstellen, die das Erlebte und das Innere der Menschen offenbaren.Die Inspiration dazu ergab sich ihm aus der Beobachtung von Faltungen aus Stoff und Papier, in denen zufällig Gesichter und archaische Masken sichtbar wurden.Er hat dann damit begonnen mit diesen Eindrücken zu experimentieren und einige Faltungen bewusst so gestaltet, dass sie die unterschiedlichsten Ausdrücke der menschlichen Gesichter zeigt, wie z.B. klug, dumm, verletzt, derb, interessiert, amüsiert. Quasi das Innere zum Vorschein kommt.Letztendlich sind es die Seelen der Menschen, die durch die Jahrhunderte der Geschichte gewandert sind und ihre Verletzungen, Wut und Freude in sich tragen.Das Ziel seiner künstlerischen Arbeit ist es, die Menschen dazu anzuregen und zu zeigen, dass durch einen anderen Blick auf die Dinge selbst Unscheinbares, Gefühle, Gedanken und Kreativität angeregt und freigesetzt werden.