MARO – Taschen, die Geschichten erzählen. Von Stil. Von Charme. Von Charakter.
Wer MARO einmal begegnet ist – sei es in Person oder durch ihre Taschen – merkt schnell: Hier steckt mehr dahinter. Mehr als Design. Mehr als Mode. Mehr als Trend.
MARO steht für echte Persönlichkeit – und die zieht sich durch jedes einzelne ihrer Werke.
Schon als Teenager hatte MARO ein gutes Gespür dafür, was ihr steht – und vor allem: was sie aus der Masse herausstechen lässt. Ob schrill, verspielt oder einfach mit einem coolen Dreh – sie trug nie von der Stange. Sie nähte. Für sich, für Freunde, für alle, die das Besondere suchten. Und sie war immer die, auf die man bei Partys, im Freundeskreis oder auf der Straße zweimal schaute. Nicht, weil sie auffallen wollte – sondern weil sie’s einfach tat.
MARO ist nicht nur Designerin – sie ist Herzmensch mit Humor, Ideengewitter im Kopf und Nähmaschine im Gepäck. Nach vielen Jahren im professionellen Modemetier, in dem sie alles über Schnitte, Materialien und Kundenwünsche lernte, hat sie sich einen Traum erfüllt: ein eigenes Label, das keinen Regeln folgt – außer der eigenen Intuition.
Ihre Taschen sind genauso wie sie selbst: mal elegant, mal wild, mal leise – aber nie langweilig. MARO kombiniert hochwertige Gobelin-Stoffe mit starken Farben, besonderen Mustern oder dem gewissen Twist. Alte Jeans bekommen bei ihr ein zweites Leben und werden zu stylischen Details – oder stehen als Hauptmaterial gleich ganz im Rampenlicht. Upcycling? Ja – aber nicht als Trend. Sondern aus Überzeugung und mit Geschmack.
Dabei ist jede Tasche ein Unikat – mit Liebe handgefertigt, mit Blick fürs Detail und mit dem Ziel, Menschen zu begleiten, die Lust auf etwas Eigenes haben. Ob City-Shopping, Wochenendausflug oder einfach im Alltag: MAROs Taschen passen immer – weil sie nicht nur schön, sondern auch praktisch und langlebig sind. Und weil sie eine Geschichte mitbringen. Deine vielleicht.
Das Besondere an MARO? Sie nimmt sich selbst nicht zu ernst, aber ihr Handwerk umso mehr. Wer mit ihr spricht, merkt schnell: Hier ist jemand, der nicht nur näht, sondern lebt, was sie tut. Mit einem Lächeln im Gesicht, einem flotten Spruch auf den Lippen und einem klaren Stilbewusstsein im Herzen.
MARO ist mehr als eine Marke. MARO ist Gefühl. Charakter. Und ein bisschen Freigeist.
Olis Paintings
Oli – Der Weg vom Hotelkaufmann zum Maler: Eine Reise zwischen Bipolarität und Kreativität
Schon als Kind träumt Oli von einer Welt aus Farben und Formen. Ein Leben, das von der Freiheit des kreativen Ausdrucks geprägt ist, in dem er sich ungehindert mit der Kunst des Malens auseinandersetzen kann. Doch das Leben, so wie es oft spielt, hält andere Pläne für ihn bereit.
Statt den Pinsel in die Hand zu nehmen, folgt Oli den konventionellen Wegen, die ihm seine Umgebung vorgibt – und doch bleibt der Drang nach Kunst immer präsent. Die Geschichte von Olis Lebensweg ist nicht nur eine Geschichte des Verzichts, sondern auch der Transformation. Sie ist eine Geschichte über den Mut, das Leben zu ändern und sich auf die Suche nach dem zu machen, was einen wirklich erfüllt.
Die Kindheit: Der erste Kontakt mit der Kunst
Schon als Kind hat Oli eine tiefe Verbindung zur Kunst. Farben und Formen sind seine ersten Begleiter, die ihn in seiner Kindheit stets faszinieren. Es ist eine Zeit des Spiels und der Entdeckung, eine Zeit, in der er die Welt auf seine eigene, kreative Weise wahrnimmt. Diese frühen Eindrücke prägen ihn nachhaltig und hinterlassen einen bleibenden Wunsch, sich mit der Welt der Kunst intensiver auseinanderzusetzen.
Doch wie viele Kinder, die von einem Traum getrieben werden, muss auch Oli schnell die Realität kennenlernen. Die Welt außerhalb seines kreativen Universums ist nicht immer bereit, diese Leidenschaft zu akzeptieren oder zu fördern. Stattdessen wird der Fokus auf praktische Lebensentscheidungen gelegt, und Oli findet sich schließlich in einer ganz anderen Richtung wieder – einer Richtung, die ihn weiter weg von der Kunst führt, als er es sich je hat vorstellen können.
Die Jugend: Der Weg zum Mode-Design
Im Jugendalter erlebt Olis Interesse eine entscheidende Wendung: Die faszinierende Welt der Mode zieht ihn in ihren Bann und entfacht eine Leidenschaft für das Design von Kleidung. Für ihn ist Mode weit mehr als nur ein äußerlicher Stil – sie stellt eine kraftvolle Möglichkeit dar, die Identität eines Menschen zu transformieren und neu zu gestalten. Mode wird für Oli zu einer Form der „Verwandlungskunst“, die es ermöglicht, das Selbstbild einer Person zu verändern und zugleich die Wechselwirkungen zwischen dem Träger und seiner Umwelt zu beeinflussen.
Dieser Gedanke, dass Mode nicht nur das äußere Erscheinungsbild, sondern auch das Innenleben eines Menschen prägen kann, fasziniert Oli. Die Macht der Kleidung, die Art und Weise, wie sie die Wahrnehmung eines Menschen formt und verändert, wird zu einem zentralen Thema in seiner frühen Auseinandersetzung mit der Kunst. Dieses Wechselspiel aus Ursache und Wirkung, das Spiel mit den Parametern von Identität, Wahrnehmung und Veränderung, ist auch heute noch ein Leitmotiv in Olis Arbeiten. Es ist der rote Faden, der seine künstlerische Reise begleitet und seine Werke durchzieht.
Der Berufliche Werdegang: Vom Hotelkaufmann zum Filmproduzenten
Ungeachtet der brennenden Leidenschaft für Kunst und Design, die Ihn schon seit seiner Jugend begleitet, entscheidet sich Oli einem vermeidlich sicheren und ,,vernünftigen‘‘ Weg zu folgen. Die Stimmen der Vernunft und der Gesellschaft flüstern ihm zu, dass er einen ,,anständigen‘‘ Beruf wählen sollte – einen Beruf, der ihm ein gutes Einkommen sichert und Ihm hilft, Spuren zu hinterlassen. So lässt er seine künstlerische Seele zunächst ruhen und tritt in die Fußstapfen einer Tradition, die ihm ein solides Fundament verspricht. Er wird Hotelkaufmann, dann start-up Filmproduzent und schließlich Marketingberater. Doch in jedem dieser Karriereschritte spürt er, wie die Sehnsucht nach der Freiheit, sich Kreativ auszudrücken, tief in Ihm weiterlebt – wie ein Feuer, das man nicht löschen kann.
Doch trotz des großen kreativen Potenzials, das viele seiner beruflichen Tätigkeiten mit sich bringt, fühlt sich Oli zunehmend entfremdet. Die Projekte, an denen er arbeitet, haben wenig mit den übergeordneten, sinnstiftenden Zielen zu tun, die er sich insgeheim immer gewünscht hat. Die Kunst, die er in seiner Kindheit so geliebt hat, rückt immer weiter in den Hintergrund. Und Oli realisiert, dass er ein Leben führt, das nicht seinem wahren Selbst entspricht.
Dieses Gefühl der Entfremdung führt schließlich zu einer klassischen „Midlife-Crisis“. Der Druck und die Frustration wachsen, bis Oli schließlich beschließt eine Auszeit zu nehmen und an sich selbst zu arbeiten. In dieser Phase der Reflexion kommt es zu einer entscheidenden Wendung in seinem Leben.
Der Wendepunkt: Die Entscheidung, Künstler zu werden
An seinem 50. Geburtstag fällt Oli eine Entscheidung, die sein Leben für immer verändern soll: Er wird seine zweite Lebenshälfte als Maler verbringen. Es ist eine spontane, aber tief durchdachte Entscheidung, die er trifft. „Das wollte ich schon immer machen“, sagt er sich. „Schon als Kind habe ich davon geträumt, Maler zu werden.“ Doch immer wieder waren es die äußeren Umstände, die ihn davon abhielten – der Druck der Gesellschaft, die Notwendigkeit Geld zu verdienen, die Erwartungen der Familie. Nun, zu einem Zeitpunkt, an dem er seine eigenen Werte und Bedürfnisse klarer versteht, ist er endlich bereit, den Traum zu leben, der ihm so lange verwehrt geblieben ist.
Mit jedem Pinselstrich entfaltet sich Olis kreative Vision, die über die bloße Fantasie hinaus geht und tief in die Schichten seiner eigenen Lebenserfahrungen eintaucht. Die Malerei wird für ihn mehr als nur ein künstlerischer Ausdruck. Sie wird ein Spiegelbild der Dualitäten, die das Leben prägen. In seinen Werken verschmelzen die Widersprüche des Daseins zu einer kraftvollen Einheit: Mit seinen typisch hellen und leuchtenden Farben erinnern seine Werke an das Glück, welches aus der Bipolarität der Schönheit und Freude des Lebens sowie den Schattenfarben der Angst und des Schmerzes resultiert. Spuren seiner Reise durch die Höhen und Tiefen des Lebens, die Ihn zu dem Künstler gemacht haben, der er heute ist.
Die Kunst von Oli: Zwischen Figurativem und Abstraktem
Olis Kunstwerke sind einzigartig in ihrer Tiefe und Ausdruckskraft. Was seine Malerei so besonders macht, ist der Dialog zwischen den verschiedenen Ebenen der Realität. In seinen Bildern finden sich sowohl figurative Elemente als auch abstrakte Formen, die miteinander in Beziehung treten und ein ständiges Wechselspiel zwischen Klarheit und Ambiguität schaffen.
Ein zentrales Thema in Olis Arbeiten ist die „Bipolarität“ des Lebens. Der Gegensatz zwischen positiven und negativen Erfahrungen. Zwischen Licht und Schatten, zwischen Nähe und Distanz. Diese Polaritäten sind das, was das Leben ausmacht und sie finden sich auch in seinen Bildern wieder. Es ist dieser Dualismus, den Oli in seinen Werken darstellt – die Verbindung von Schönheit und Trauer, Freude und Einsamkeit. Glück und Angst. Ursache und Wirkung.
Die Schichtarbeit, die in Olis Bildern sichtbar wird, ist ein weiteres charakteristisches Merkmal seines Stils. Jedes Bild wird in mehreren Schichten aufgebaut, wobei jede Schicht eine neue Ebene der Bedeutung und Interpretation hinzufügt. Diese Schichtung erzeugt eine Tiefe, die den Betrachter dazu einlädt, immer wieder neue Details und Facetten zu entdecken. Was auf den ersten Blick noch abstrakt erscheint, entfaltet sich nach längerem Betrachten als konkretes Bild, und das, was zunächst greifbar wirkt, verwandelt sich in eine abstrakte Darstellung. Diese wechselnden Perspektiven sind das, was Olis Kunst so faszinierend und vielschichtig macht.
Die Farben und Formen entnimmt er Gedichten, in denen er seit Jahren seine Hoffnungen und Ängste formuliert. Dieser bipolare Prozess ist das zentrale Momentum seiner Arbeit.
Die Wirkung seiner Kunst: Eine Erinnerung an die Schönheit des Lebens
Oli ist davon überzeugt, dass Kunst vor allem eine Aufgabe hat: Sie soll uns daran erinnern, dass das Leben und wir alle – trotz aller Schwierigkeiten und Herausforderungen – schön sind. In einer Welt, die oft von Angst, Isolation und Entfremdung geprägt ist, ist es seine Absicht, mit seinen Bildern eine Brücke zu schlagen, die den Betrachter an die positiven Seiten des Lebens erinnert. „Ich möchte an Dingen arbeiten, die mich und andere glücklich machen“, sagt Oli. „Und das sollen meine Bilder vermitteln: Dass das Leben schön ist, dass wir schön sind – trotz allem.“
Die Vielfalt in Olis Arbeiten, die nach längerem Betrachten immer wieder neue Entdeckungen zulassen, ist ein Ausdruck dieses Glaubens an die Schönheit des Lebens. Es sind Bilder, die nie ganz abgeschlossen sind, die immer wieder neue Perspektiven bieten und den Betrachter zu einer tieferen Auseinandersetzung mit sich selbst und der Welt anregen.
Der Weg eines Künstlers
Olis Weg, vom Hotelkaufmann über den Filmproduzenten und Marketingberater bis hin zum Maler, ist eine kraftvolle Erzählung über den Mut, den eigenen Träumen zu folgen, selbst wenn sie sich fern und unerreichbar anfühlen. Es ist die Geschichte eines tiefen inneren Wandels, einer Reise zur Selbstverwirklichung und der unaufhörlichen Suche nach dem wahren Sinn des Lebens. Durch die Kunst findet Oli nicht nur eine Möglichkeit, sich selbst auszudrücken, sondern auch einen Heilungsprozess, der ihn in den dunkelsten Momenten begleitet und ihm hilft, die Welt mit neuen Augen zu sehen.
Mit seiner Malerei erinnert uns Oli an die Bedeutung der Bipolarität des Lebens und zeigt uns, dass sowohl die hellen als auch die dunklen Seiten des Lebens ihren Platz haben. In einer Welt, die oft von Schwarz-Weiß Denken geprägt ist, lädt uns Oli ein, die Vielfalt der Erfahrungen zu akzeptieren und das Leben in seiner ganzen Tiefe und Schönheit zu feiern.
Oli hat sich entschlossen, seine zweite Lebenshälfte dem Malen zu widmen. Und mit jedem Pinselstrich schenkt er uns eine Erinnerung daran, dass wahre Schönheit in uns allen wohnt, ganz unabhängig von unseren Fehlern und Ängsten. Seine Kunst spricht eine tiefe Wahrheit aus: Wir sind vollkommen, genau so wie wir sind, und verdienen es, uns selbst in all unserer einzigartigen Pracht zu sehen.
2024
Acrylic on Canvas
175cm x 150cm
Auf Anfrage
2024
Acrylic on Canvas
180cm x 140cm
Auf Anfrage
2021
Acrylic on Canvas
160cm x 140cm
Auf Anfrage
2020
Acrylic on Canvas
160cm x 140cm
Auf Anfrage
2022
Acrylic on Canvas
180cm x 160cm
Auf Anfrage
2024
Acrylic on Canvas
175cm x 150cm
Auf Anfrage
Wolfgang Arnold
Ein Leben für die Kunst und ihre Vielfalt
Eisenach, Deutschland – Wolfgang Arnold, geboren 1954 in Eisenach, ist weit mehr als nur ein Restaurator und Künstler. Mit einer faszinierenden Lebensgeschichte und einem leidenschaftlichen Engagement für die bildende Kunst hat er eine reiche künstlerische Erfahrung aufgebaut, die ihn zu einem bedeutenden Namen in der Kunstszene macht.
Arnolds Reise durch die Welt der Kunst begann früh in seiner Kindheit auf dem Dorf bei Eisenach. Schon damals zeigte er ein außergewöhnliches Interesse an Bildern, Kunst und Geschichte, das ihn auf seinem Lebensweg begleitete. Inspiriert von Meisterwerken der bildenden Kunst und der Geschichte, verbrachte er viele Stunden damit, zu zeichnen und sich mit verschiedenen Epochen und Kulturen auseinanderzusetzen.
Nach einer Ausbildung als Maler absolvierte Arnold ein Studium als Restaurator an der Fachhochschule für Werbung und Gestaltung Berlin, Außenstelle Potsdam. Sein Interesse erstreckte sich von der gotischen Kunst bis hin zur Kunst des 20. Jahrhunderts, wobei er sich intensiv mit verschiedenen Techniken und Stilen auseinandersetzte. Neben seiner Tätigkeit als freiberuflicher Restaurator war er auch als Fachberater für die Denkmalpflege tätig und fertigte Gutachten für Bauvorhaben innerhalb der Denkmalschutzbehörde Strausberg an.
Doch Arnolds Leidenschaft für die Kunst geht weit über die Restaurierung hinaus. Über die Jahre hinweg leitete er Malkurse in der künstlerischen Bildung in Schulen und Vereinen, unterrichtete Zeichen- und Maltechniken an Volkshochschulen und anderen Einrichtungen und schuf zahlreiche Illustrationen, Karikaturen und Wandbilder. Seine künstlerische Bandbreite reicht von Landschaftsmalerei und Plein-Air-Kunst bis hin zu experimenteller Fotografie und der Anfertigung von Stuckmarmor und Vergoldungstechniken.
Für Arnold ist Kunst nicht nur ein visuelles Erlebnis, sondern eine Quelle der Inspiration und des Ausdrucks. “Was ist Kunst und was kann Kunst bewirken?” fragt er und antwortet: “Schönheit, Kraft des Diabolischen, Symbolik, Chaos. Das Kunstwerk braucht den Betrachter als eigenen Künstler.”
Mit seinem reichen Erfahrungsschatz und seiner tiefen Leidenschaft für die Kunst bleibt Wolfgang Arnold eine herausragende Persönlichkeit, die die Welt der Kunst und Kultur nachhaltig bereichert.
Lia and Elvira
Lia
Lia Tee wurde in Siegen geboren, in einem sehr unspektakulären Umfeld voller
Baumärkte und freien evangelischen Gemeinden. Nach 7 Jahren in Köln zog sie 2015
nach Berlin. Ihre erste Kamera (eine Canon1800D) kaufte sie sich 2017.
Seit 2019 fing sie an, etwas professioneller zu fotografieren, neben ihrem Studium der
Vergleichenden Literaturwissenschaft und Film an der FU Berlin.
Ihre künstlerischen Motive sind Emotionen, fehlende Emotionen, Stärke, Schwäche,
der Mensch in Verbindung mit seiner Umwelt, Ambivalenz und Ambiguitätstoleranz,
und außerdem die Apokalypse. Ihre Bilder sind oft naiv, etwas out of focus oder
verschwommen, unperfekt . Alles aus einem feministischen Blickwinkel.
Die Models sind oft Freud:innen, die Geschichten, die erzählt werden, handeln von
zeitgenössischen Prozessen und entstehen oft unter Zuhilfenahme von
Alltagsgegenständen, wie zufällig und halb improvisiert.
Elvira
Elvira Nisman, ursprünglich 1989 in Moldawien geboren, hat ihren künstlerischen
Weg und Dasein erst 2019 nach einigen beruflichen und abenteuerlichen Stationen
gefunden. Die Leidenschaft und Hingabe zur Fotografie begleitet sie aber schon ein
Leben lang, vor allem als ein visuelles Medium zur eigenen Selbstbefreiung und nicht
zuletzt als Therapie.
Elviras Fotografien beschäftigen sich mit den Themen der Identität, unkonventioneller
Schönheit, unausgesprochenen zwischenmenschlichen Beziehungen, Emotionen und
Nicht-Emotionen.
Ihre Arbeiten zeichnen sich einerseits durch eine minimale, saubere Ästhetik und
andererseits durch plakative Dimensionen aus. Sie fordert gerne Unbequemes,
ungefilterte Wahrheiten und Bedrücktheit heraus und schafft es durch die Fotografie
und das Schreiben diese in ganz besondere eigene Schönheit zu transformieren.
Ihre Motive sind meistens Menschen, die sie zufällig auf ihren vielen Reisen anspricht,
Models aller Art, oder auch gerne beste Freunde, die vor Elviras Linse ihre ganz eigene
Geschichte erzählen – gerne mit einem poetischen, bitteren Nachgeschmack.
Elvira arbeitet sowohl frei künstlerisch in Projekten mit sozial- und gesellschaftlichem
Hintergrund, als auch für kommerzielle Kunden im Bereich der Werbefotografie. Sie ist
freiberuflich in Berlin, sowie weltweit einsatzbereit.
Nick Enselmann
Nick Enselmann (*1992 in Hagen) lebt seit 2014 in Berlin, wo er die abstrakte Malerei für sich entdeckt hat. Seit nunmehr fünf Jahren bespielt er analoge und digitale Leinwände, die der Ästhetik des Alltäglichen im Abstrakten Interpretationsspielräume eröffnen. Das Wandelbare in der Wahrnehmung steht im Fokus; ein Suchen und Finden in Formen und Farben, ein Gleichsehen und Anderssehen im Austausch derjenigen, die sich vor der Leinwand treffen – in der Kommunikation mit der Kunst. Dazu lädt die Ausstellung “Du siehst das, was ich nicht sehe?” ein.“
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 220 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 200 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 360 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 290 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 400 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 450 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 320 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 240 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 360 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 220 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Dietrich Tosch
Dipl.-Designer
Studium in Berlin – Diplom der Akademie für Grafik und Design Berlin
„Ein Deutscher mit französischen Farben“
(Presse-Zitat: Riviera Côte d ́Azur-Zeitung 11/2007)
Umfangreiche Südfrankreich-Reisen haben meinen Malstil stark
beeinflusst. Es sind Bilder in den Farben der Provence, im Stil des
französischen Impressionismus und inspiriert von Renoir u. Monet.
Einzelausstellungen u.a. im „Maison de France“ am Kurfürstendamm
Berlin, bei Christofle und Féraud Berlin, Kunstauktion am Montmartre
Paris, in Montatair b. Paris und weitere Ausstellungen in Frankreich,
Berlin, Dresden, Potsdam und im Land Brandenburg.
Medienecho in Deutschland und Frankreich (u.a. „RIVIERA COTE
D ́AZUR-ZEITUNG“, „THE MONACO-TIMES“, „IL CORRIERE DELLA
COSTA AZZURA, „Rhein-Main Presse-Allgemeine Zeitung“, „Berliner
Morgenpost“, „B.Z.“, „Potsdamer Neueste Nachrichten“, „Dresdner
Kurier“, „Unternehmer Magazin“, „Kultur-Kanal“, „Art&Ambiente“ usw.
Liebhaber provençalischer Farbenpracht, heiterer französisch-
impressionistischer Bilder und des “savoir vivre”, fanden Interesse an
meinen Bildern.
Sie sind in Privatbesitz in Deutschland, Frankreich, Brasilien, den
Niederlanden und in New York.
dio – dioletart
Ganzes Video auf Youtube anschauen
Wir präsentieren euch ab dem 12.03.2022 die neue Berliner Künstlerin Dio. 1982 im Harz geboren, wuchs sie in einer kreativ
begabten Familie auf, Vater Steinbildhauermeister, Mutter Malerin.
Sie lebt seit 2012 in Berlin, die Stadt, die sie schon als Kind
magisch in ihren Bann gezogen hat und von der sie sich immer wieder
kreative Impulse erhofft. Hier arbeitet sie in der Verkaufsbranche im
Akquisitionsbereich.
Parallel dazu lebt sie ihre künstlerischen
Ambitionen sowohl in der Musik als auch in der
Malerei in vielen Facetten aus, denn schon seit
frühester Kindheit hat sie intuitiv nach kreativen
Ventilen gesucht, um ihren Emotionen Ausdruck
zu verleihen.
Als Singer-Songwriterin hat sie in mehreren Bands
ihre musikalische Seite verwirklichen können.
Derzeit arbeitet sie unter „ultradiolet“ an ihrem
Soloprojekt.
Beim Malen spielt das Hören von Musik für sie zudem eine entscheidende
Rolle, es öffnet Ihr den Zugang zum Malprozess.
Ausgestattet mit dem „Wiegentalent“ entwickelte sich dann
in der Jugend die Passion zur Malerei, welches sich in späteren Jahren nach ihrem Motto intensivierte:
„Die Kunst ist wie ein Portal – von meiner Seele zur Außenwelt“.
Sie beschreibt ihre eigenwillige Schaffensphase als einen für
sie intensiven Befreiungsprozess, der sich in der besonderen Technik und dem
Endergebnis reflektiert.
Die Geschöpfe in ihren Bildern verbergen sich für sie im
vermeintlichen Chaos des je nach Stimmung gespachtelten
Hintergrundes – sie „befreit“ sie lediglich und findet in
ihnen ihren „Seelenspiegel“.
„Wenn Gedanken oder Gefühle zu laut werden, weil Sie raus wollen, mache ich sie sichtbar.
In meinen Bildern werden Sie dann friedlich und geben mir Energie, so als spürte ich Ihre Dankbarkeit dafür, dass ich Sie befreit habe.“
Technik: Mehrschicht-Acrylmalerei,
Spachteltechnik,
Konturen- und Lackstifte, teils auch Blattgold
Die Künstlerin wünscht sich mit ihren Werken Menschen emotional positiv zu erreichen.
Sie möchte den Weg für den Blick in sich selbst öffnen, zum Nachdenken anregen und Hoffnung, Zuversicht sowie Lebensfreude vermitteln.
Wir freuen uns auf diese einzigartige Ausstellung und laden euch zu Dios Vernissage am 12.03.2022 ab 18:00 Uhr ein.
Kommt unbedingt vorbei!
Dorota Samborski
2012
Acryl auf Leinwand
100 x 100 x 3,5 cm
2400 €
2012-21
Acryl auf Leinwand
23K – Blattgold
100 x 100 x 2 cm
2400 €
2008 bis 20-21
Acryl auf Leinwand
85 x 140 x 2 cm
2600 €
2000
3D Objekt – Skulptur Mischtechnik
Alabastergips, Kunststoff Büste
Gesamthöhe ca. 44 cm
1450 €
2008
Acryl auf Leinwand
60 x 80 x 2 cm
2.400 €
2021
Orig.Burostempel
Acryl auf Holz – 23K BlattGold – 9 mm
Munition Luger, H 8,7 cm x B4,8 cm x T 2,3 cm
50 €
2021
Orig. Stempel mit Schriftzug – 3 x 9 mm
Munition – H 8,6 x B 5,2 x T 2 ,6 cm
50 €
2021
Orig.Stempel
23K BlattGold auf Holz – 3 x 9 mm
Munition Luger – H. 8,7 x B 4 x T bis 2,5 cm
50 €
Meriana Ejjeh
Meriana Ejjehs Werke setzen sich aktuell aus abstrakter Kunst, Portraits und zukünftigen Projekten zusammen, farblich intensiv gestaltet lassen sie einen großen Spielraum für Interpretationen. Sie will Hoffnung in den Menschen erwecken, Freude, Stärke und Liebe verteilen. Die Kunst begleitet Meriana schon ein Leben lang, war und ist ein wichtiger Bestandteil ihres Lebens. Ihre Liebe zur Kunst begleitet sie schon immer und sie berührt die Menschen mit ihren Werken. Wenn Meriana an ihren Werken arbeitet, ist sie in einer Art Trance. Sie projiziert ihre Emotionen, ihr Inneres und die Art wie sie sich und ihre Welt sieht auf die Leinwand, hier kommt auch ihre zerbrechliche Seite zur Geltung. Niemals geradlinig oder konstant, ebenso wie das Leben spielt. Um ihren Horizont zu erweitern und ihre Ideen professionell umzusetzen, schulte sie ihre Fertigkeiten. Ihr Ziel ist es, in renommierten Museen auszustellen und ihre Werke weltweit zu verkaufen. Meriana stellt ihre Werke nun seit Januar 2020 der Öffentlichkeit zur Verfügung. Sie wird, anlässlich ihrer Vernissage, ein Interview geben und steht gerne für Fragen oder Gespräche bereit. Die MT Galerie freut sich darauf euch eine sehr begabte Künstlerin mit Empathie, Herz und enormem Fachwissen vorzustellen.
21×29,7 cm
Aquarell auf Wasserpapier
Spachtelmasse
2020
523 €
21x29x7 cm
Aquarell auf Wasserpapier
24 Karat Blattgold
2020
600 €
50x70x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2020
2000 €
50x70x3 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold, Kunstspachtel
2020
1800 €
40x40x2 cm
Öl, Acryl auf Leinwand
Blattgold 24 Karat
2020
1050 €
50x60x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2020
1282 €
20x20x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstspachtel, Sand
2019
2 Stück 1200 €
20x30x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier, Acrylgold
2020
845 €
20x40x2 cm
Acryl auf Leinwand
Acrylgold, Kunstblattgold
2019
1225 €
20x40x2 cm
Acryl auf Leinwand
Acrylgold, Kunstblattgold
2019
1025 €
20x40x2 cm
Acyl auf Leinwand
Kunstblattgold
2019
1200€
20x60x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2020
1025 €
40x40x,2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2019
1184 €
25x30x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier, Kunstspachel
2019
655 €
40x40x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2019
525 €
20x20x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier
2019
845 €
20x20x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier, Sand, Kunstblattgold
2019
825 €
Georgi Takev
Der KünstlerSeine Werke sind Ölgemälde, die abstrahierte, verfremdete Gesichter und Masken darstellen, die das Erlebte und das Innere der Menschen offenbaren.Die Inspiration dazu ergab sich ihm aus der Beobachtung von Faltungen aus Stoff und Papier, in denen zufällig Gesichter und archaische Masken sichtbar wurden.Er hat dann damit begonnen mit diesen Eindrücken zu experimentieren und einige Faltungen bewusst so gestaltet, dass sie die unterschiedlichsten Ausdrücke der menschlichen Gesichter zeigt, wie z.B. klug, dumm, verletzt, derb, interessiert, amüsiert. Quasi das Innere zum Vorschein kommt.Letztendlich sind es die Seelen der Menschen, die durch die Jahrhunderte der Geschichte gewandert sind und ihre Verletzungen, Wut und Freude in sich tragen.Das Ziel seiner künstlerischen Arbeit ist es, die Menschen dazu anzuregen und zu zeigen, dass durch einen anderen Blick auf die Dinge selbst Unscheinbares, Gefühle, Gedanken und Kreativität angeregt und freigesetzt werden.
Segede Demissie
Herr Segede Demissie ist in Äthiopien geboren.
Wegen politischer Probleme musste er sein Studium abbrechen.
Er kam als junger Erwachsener nach Berlin und war und ist als Musiker und Maler tätig und arbeitet mit seiner Ehefrau im Rechtsanwaltsbüro.
Er spielt Krar (äthiopische Harfe) und komponiert seine Lieder und schreibt auch die Texte. In den Texten geht es um Politik, Liebe und Menschlichkeit und um seine Heimat Äthiopien. Er trat früher sehr viel live auf, um Deutschland die äthiopische Kultur näher zu bringen. So spielte er auf der Grünen Woche, in der Urania, in Hamburg und anderen Städten, auf verschiedenen Messen, bei Veranstaltungen von Kulturvereinen, beim Karneval der Kulturen mit seiner damaligen Band nebst äthiopischen Tänzerinnen oder alleine.
Eine CD, in der Herr Demissie traditionelle Musik mit moderner Musik verbindet, wird in Kürze veröffentlicht.
Zudem schrieb und schreibt er regelmäßig Texte und Gedichte für äthiopische Zeitungen und Media, ein Roman wartet noch auf seine Veröffentlichung.
Drei Jahre lang war Herr Demissie auch Inhaber eines äthiopischen Restaurants in Wilmersdorf, indem er selbst kochte.
Auch dort gab es zu dem köstlichen Essen –kleine Kostproben hiervon sind bei der Vernissage geplant – auch Tanz- und Musikveranstaltungen und Performance aus Afrika.
Leider hat ein Unfall in einem Fitnessstudio im September 2010, der eine inkomplette Querschnittlähmung zur Folge hatte, viele geplante Objekte verzögert oder damals unmöglich gemacht. Aufgrund von sehr guten Ärzten, seiner ungeheuren Willenskraft und seinem Kampfgeist hat er es aber geschafft nach Monaten im Rollstuhl wieder ohne jegliche Hilfsmittel gehen zu können und trotz noch einiger Einschränkungen und Schmerzen wieder normal zu leben.
Zur Malerei kam Herr Demissie vor ca. 2 ,5 Jahren.
Zwar malte Herr Demissie auch als Kind schon gerne, leider stand in seiner Heimat zu dieser Zeit jedoch nie soviel Material zur Verfügung wie wir dieses hier immer gewohnt sind und waren. Besonders Blätter waren rar, Pinsel machte er sich teilweise aus anderen Materialen selbst.
In der äthiopischen Kultur malen die Kinder zum Neuen Jahr (dieses ist aufgrund eines anderen Kalenders, der 7 Jahre und 8 Monate und 10 Tage zurückliegt und so am 12.09.2019 in Äthiopien der 01.01.2012 gefeiert wurde), gelbe Blümchen und wenn sie diese dann „verschenken“, bekommen sie Geld von den Eltern und Verwandten. Herr Demissie erinnert sich daran, dass er etwas mehr Geld bekam, weil seine Blümchen immer sehr schön waren. Die Farben – meist grün, gelb und rot – für diese Bilder mischte er aus Pflanzen selbst zurecht.
Sein Vater sah weder das Interesse für Kunst noch das Interesse für Musik gern, er wollte, dass sein Sohn einen vernünftigen Beruf – zB Arzt oder Pilot – erlernt.
So musste Herr Demissie vieles heimlich machen. Seine Mutter hingegen hat sich immer über gemalte Bilder von Ihrem Sohn und Klängen von seine Harfe und seinem Gesang gefreut und tut es bis heute.
Auch die vielen Schwestern und Brüder von Herrn Demissie haben alle „vernünftige“ Berufe wie Apotheker, Krankenschwester, Lehrer, Jurist und Informatiker erlernt oder sind selbständig im Hotelierwesen tätig.
Trotz der Vorbehalte des Vaters gegen alles was nicht „handfest“ ist, liebte der Vater, der Direktor einer Schule war und Kaffee angebaut hat, nicht nur das Jagen, sondern auch das Fotografieren. Er nahm Herrn Demissie immer mit in seinen eigenen Dunkelraum, da Herr von dieser Arbeit und dem Weg zu einem Foto total begeistert war und Herr Demisse durfte mit arbeiten und kann sich hieran noch gut erinnern.
Das Fotografieren macht ihm heute noch große Freude und auch dieses ist in dieser – seiner allerersten Ausstellung – ein zentraler Punkt.
Herr Demissie zeichnet und malt überall und auf allem Material, zB auch auf Tempotüchern sowie Küchenrolle, Zeitungspapier, Rechnungen (Rückseite) und Alufolien.
Er malt vorwiegend mit Filzstiften sowie Textmarkern und auf Alufolien mit Öl.
Manchmal ist Morgens auf dem Küchentisch auch die Birne ein Kunstwerk.
Diese Bilder auf unterschiedlichen Materialien in unterschiedlichen Größen und mit unterschiedlicher Farbe fotografiert er dann mit verschiedenen Lichtquellen aus unterschiedlichen Perspektiven. Davon sucht er dann das, welches für ihn am schönsten bzw. interessantesten ist aus und lässt er dann professionell ausdrucken.
Und zwar nur einmal.
Das Kunstwerk ist für Herrn Demisse nicht das bemalte Tempotaschentuch, sondern das war es aus seiner Malerei in Kombination mit Licht und Fotografie hieraus gemacht hat. Viele der kleinen Originale sind teilweise von ihm entsorgt worden, da sich die Farbe auf Alufolie und auf anderen Materialien nicht lange hält. Zudem ist für ihn dieses kleine Stück Papier nicht sein Kunstwerk, sondern die Malerei in Verbindung mit der modernen Technik.
Wenn die Originale vorhanden sind, werden diese selbstverständlich bei einem Verkauf ausgehändigt.
Von der Thematik her malt Herr Demissie alles Mögliche, sehr gern auch Ufos, Aliens, Menschen und andere Wesen.
Er glaubt an die Existenz außerirdischer höchst intelligenter Wesen von anderen Planeten, die irgendwann auf der Erde erscheinen und den Menschen friedlich gesinnt sind, wenn nicht wir Menschen gegen diese „Wesen“ gewalttätig werden oder sie vertreiben.
Auch ist es eine Erinnerung an das Aufwachen nach seiner Operation im Jahre 2010 aus der Narkose, als er andersartige Wesen und Engel gesehen hat.
Dieses Thema beherrscht diese Ausstellung. „Humans and Aliens in Fantasyworld.“
Das Foto, welches neben dem Thema der Ausstellung zu sehen ist, ist nicht von Herrn Demissie, dort war er das „Modell“, eine Künstlerin hat dieses Bild hergestellt und es dann später für viel Geld verkauft. Dieses Geld kam dem Listro-Projekt, einer Spendenhilfe für äthiopische Kinder, die auf der Straße leben und als Schuhputzer tätig sind, zugute.
Die Bilder hat Herr Demissie seiner Frau geschenkt, der auch eventuelle Einnahmen zugute kommen.
Von diesen Einnahmen werden 10 % an äthiopische Straßenkinder gespendet. Hier halten wir es dann so wie Karl Heinz Böhm, Spenden werden persönlich nach Äthiopien gebracht. Und dieses wird nachgewiesen!! In diesem schönen Land, welches nie kolonialisiert wurde und daher alleine bis zu 80 Sprachen mit 200 Dialekten beheimatet, wird regelmäßig die Familie von Herrn Demissie besucht.
Die Bilder lassen zum Teil auch die Verbundenheit zu seiner Heimat erkennen, teils an den Farben der äthiopischen Flagge rot gelb und grün, teilweise auch an der Zeichnung des derzeitigen äthiopischen Premierministers Dr. Abiye Ahmed, der gerade den Friedensnobellpreis für seine Bemühungen um Frieden zwischen Äthiopien und Eritrea erhalten hat.
Um seine weiteren Motive vorzustellen, wird es in der Ausstellung auch eine kleine Vorschau auf die nächste Ausstellung geben.
Zu dem Zeigen der Werke möchten Herr Demissie in dieser Ausstellung auch einen kleinen Einblick in die äthiopische Kultur geben und dieses auf der Eröffnung auch mit einer äthiopischen Kaffeezeremonie tun.
lebt und arbeitet in Berlin
Lebenslauf
1945 – in Papenburg / Ems
64 – 65 – Studium Soziologie / Psychologie
66 – 69 – Studium Sozialpädagogik
72 – 74 – Weiterbildung Supervision
77 – 85 – Studium analytische Psychotherapie für Kinder und Jugendliche
seit 86 – autodidaktisches Studium der Bildenden Kunst, Schwerpunkt Malerei
seit 88 – Ausstellungen in Berlin und Umland
Zu meiner Malerei
Seit über 30 Jahren lässt mich die Malerei nicht mehr los. Mich fasziniert die Vielfalt von Gestaltungsmöglichkeiten und darin einen eigenen Weg zu finden. Ich gestatte mir, der Phantasie Räume auf Papier und Leinwand zu geben, indem ich mich intensiv auf den Gestaltungsprozess und den Dialog mit dem entstehenden Werk einlasse. Neugier und Auseinandersetzung begleiten mich beim Schaffen. Kunst ist für mich der immer wieder herausfordernde Versuch, etwas fassbar zu machen, was schwer zu greifen ist: Stimmungen, Gefühle, Ausstrahlung ausgelöst durch Menschen, Landschaften, Situationen, Dinge.
M. D. Januar 2017
Nr.: 20
2010 – 70 x 100
Acryl, Frottage, Mischtechnik auf Stoff
750,- €
Nr.: 19
2010 – 140 x 100
Acryl, Frottage, Tinte auf Stoff, beidseitig
990,- €
Nr.: 18
2010 – 60 x 80
Acryl, Frottage, Mischtechnik
690,- €
Nr.: 17
2012 – 50 x 60
Acryl, Frottage, Abdruck, Mischtechnik
650,- €
Nr.: 16
2005 – 48,5 x 70
Acryl, Collage, Mischtechnik
490,- €
Nr.: 13
2001 – 100 x 60
Acryl, Collage, Mischtechnik
620,- €
Nr.: 12-8
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-7
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-6
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-5
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-4
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-3
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-2
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-1
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 11-10
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-9
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-8
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-7
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-6
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-5
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-4
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-3
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-2
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-1
2016 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 10
2000 – 84 x 60,5
Acryl, Collage, Mischtechnik
980,- €
Nr.: 7
1999 – 100 x 65
Acryl, Collage, Kreide, Mischtechnik
980,- €
Nr.: 6
2008 – 75 x 100
Acryl, Kreide, Mischtechnik
880,- €
Nr.: 5
2010 – 70 x 50
Acryl, Collage, Frottage, Mischtechnik
690,- €
Nr.: 4
2016 – 210 x 150 – 9 Bilder
70 x 50 Acryl, Collage, Übermalung, Mischtechnik
2.600,- €
Nr.: 3
2010 – 70 x 50
Acryl, Collage, Frottage, Assemblage
690,- €
Nr: 2
2010 – 70 x 90
Acryl, Frottage, Assemblage auf Stoff
690,- €
Egor Noskow (Gora’N) – wurde 1999 geboren. Moskau.
2016 absolvierte MAHL RAH an der Akademie. Surikova, Moskau.
Ein Student des dritten Jahres der Restaurierungsabteilung des Art College nach 1905 benannt.
Mitglied der Union der Künstler des Internationalen Kunstfonds.
Mitglied der Union der “Russischen Spacemen”, der Künstler ist ein Kosmist.
Mitglied der kreativen Vereinigung professioneller Künstler.
Mitglied der Gesellschaft der russischen Künstler der chinesischen Maler “Gontbou” Ausstellungen
2016 – Galerie “Vinogradov” -Vernisage Moskauer Mauler, Shodovieskistr.25, Berlin
2016- “Puppe ist auch ein Mann” МХХ, Moskau Levschinskii str..8 / 1
2016 – “Teatrum un paperen” Teatrum ARTISCHOCKEN, Nürnberg, Landgrabenstr. 139
2016- “Wintermärchen” MHF, Moskau Levshinsky per. 8/1
2016 – Grafik “Psychologie des Kosmos”, Galerie Anton Laiko-Berlin, Soldinerstr.103
2016 – Evangelische Klinik sv. Elisabet-Kesselhaus Museum in Berlin “Realismus und Abstraktion “- Herzbergstraße 76, Berlin
2017- “The Space Road” Ausstellungshalle “Tuschino”, Moskau
2017- “Teatre sur pepire” Parise, Rue Durantin 12, Franse
2017- “Space Space, IFO” Ausstellungshalle der “Star City”, der Stadt Korolev
2017- “Space” IAFM, Moskau Prechistenka 10/2
2017- “Kreative Umgebungen”, “Die Umgebung des Menschen, in der modernen Welt XXI” Zentrales Haus der Künstler, Moskau
2018- “Horizont in Bezug auf die grafische Wahrnehmung” Ausstellungshalle “Novoperedelkino” Moskau Veröffentlichung im Almanach “Realismus des XX Jahrhunderts”, Verlag INFO
2017 -lnstagram – @milena._miller. G+ Milena Miller FB – Milena Miller Art
Elena Kozlowa (Milena Miller)
wurde 1975 geboren. Moskau.
1994 schloss sie ein Studium an der nationalen Kunstakademie in Sofia (Bulgarien) ab.
Bis 1998 studierte sie an der School Of Analytical Art in Strogowа.
Seit 2007 ist sie Mitglied des Internationalen Kunstverbandes in Moskau.
2010 trat sie dem russischen Kreativverband der Künstler bei.
2012 gewann sie den W. Popкow Wettbewerb.
2008- Einzelausstellung -“Nikolai” Galerie Berlin ,Spandaustr. 23
2009- Personalausstellung “, Wo ich Seele leben” des Staatlichen Puschkin-Museum Moskau
2009-2011- “Heilige Russ.” Uglitsch Kreml
2010- Puschkin-Museum -” Big Wyazemy” Golitsyno
2010 Einzelausstellung “Walking in Moskau” Moskauer Stadtduma
2011- “ein Aufstand der Farben und Blumen” Moscow International Art Fund
2010-2014 Ausstellung von Moskau Websites “Fish Day” 2015-Kunstgalerie “Kernstuk” Berlin,Kaiser-Friedrichstr.37
2015 – 2016 Galerie “Vinogradov” Shodovieskistr. 25 ,Berlin
2015- “Art ZDX Moskau 2016 – Galerie “Vinogradov”-Vernisage Moskauer Mauler,Shodovieskistr.25,Berlin
2016 – “Teatrum un paperen”Teatrum ARTISCHOCKEN ,Nurnberg,Landgrabenstr. 139, Galerie Anton Laiko-Berlin,Soldinerstr.103
2016- Galerie ARS PRO DONO- über Schonhetspacket Wettbewerbe W. Pozdeeva .Berlin Prenzlauer Allee 191
2016- Evangelische Klinik sv. Elisabet- Kesselhaus Museum in Berlin ” Realismus und Abstraktion “- Herzbergstrabe 76,Berlin 2017- ” Teatre sur pepire”Parise, Rue Durantin 12,Franse
2017- “Momentum”-Moskau , Akademia in Baumana
2017- Galerie ARS PRO DONO ,Berlin,Prenzlauer Allee 191
2017 Art Dulfan galerie ,Berlin 14198,Zoppoterstr.7
2018 – Galerie “Palast” Berlin, Reinhardtstr.3
2018 -” Liben und labirintum” Galerie “PostArt” Berlin , Shustehrusstr.47
2018 – Galerie “Makowski” Berlin ,Friedrichstr.67-70
Ihre Werke sind regelmäßig in verschiedenen Ausstellungen zu sehen. Sie sind Bestandteil vieler privater Sammlungen in Russland, Deutschland, Israel, Italien, Kroatien, Serbien,USA, Griechenland und viele mehr. Gezeigt werden ihre Bilder im Staatlichen Puschkin Museum, im Reservat des Historischen-und Literarischen Museums „Große Wjasma“, in den Hallen der Duma und weiteren Regierungsgebäuden.
Zwischen 2009 und 2016 wurden Ihre Ausstellungen insgesamt dreizehn mal mit dem “Diplom ersten Grades” ausgezeichnet. Darunter die Gruppenausstellung „ Verse Silberstaub” In folgenden Katalogen ist sie vertreten: -Maler Enzyklopädie, Verlag OOO zivopis INFO 2008; -Internationaler Malerverband XX – Ausstellungswettbewerb W. Popkow; -Tradition russischer Landschaften, zum 150 Jubiläum I.I Lewitan, Verlag „Nasch Isograph“2011 -lnstagram – @milena._miller. G+ Milena Miller FB – Milena Miller Art Ausstellungskonzept : “WUNDERDINGE” – Clown ist nur eine Seite der unsichtbaren Medaille, die das Leben von Menschen außerhalb des Zirkus anzeigt. Clown sieht sehr lustig aus, aber er ist nur ein Punkt, der alle Blicke auf sich zieht, es ist eine mehrdimensionale Projektion vieler in einem. Große und kleine, böse, alt, lustig und traurig. Mutter und Sohn sind zwei Künstler in einem Versuch, das Bild eines Clowns zu offenbaren, der die Atmosphäre schafft.
Pablo Rodriguez
22×22 cm
200 €
Eva Raboso
Ausstellung “THE UNIVERSE OF A DREAM” von Eva Raboso
ART-TECHNOLOGY / TECHNOLOGY-ART EINE NEUE ART, EIN BILD ZU BEOBACHTEN Urban Vertical ist ein neuer künstlerischer Trend, der eine bemalte Leinwand und eine Kamera kombiniert. Wenn Elemente mit einer anderen Achse erstellt und mit einem einzigen Auge, einer Kamera und/oder einem mobilen Gerät betrachtet werden, kann der Betrachter das Bild in 3D wahrnehmen. Wenn sie also mit der Kamera spielen, werden die Autos nachgebildet, und es scheint, als könnten sie sich ins Bild setzen, sich durch die Straßen bewegen, in die Ecken abbiegen und in die Tunnel einfahren. Es ist eine Möglichkeit, Teil des Bildes zu sein, es von innen zu betrachten und sein Inneres zu kennen. Alles hat zufällig eine neue Dimension, die nur durch die Kamera wahrgenommen wird. Dieser 3D-Effekt wird von jeder Optik, jedem Sucher oder Objektiv einer Kamera oder/und eines Mobilgeräts wahrgenommen. Auch mit nur einem Auge. Es ist eine neue Art, Technologie und Kunst zu verbinden, eine neue Art, ein Gemälde zu betrachten. Um diesen neuen künstlerischen Trend zu entwickeln, musste ein spezifisches Design durchgeführt werden, bei dem die verschiedenen Elemente, aus denen sich das Gemälde zusammensetzt, mit unterschiedlichen Maßen und Achsen gezeichnet werden. Es ist eine visuelle Empfindung, die durch die verschiedenen Punkte erzeugt wird, in denen sich die verschiedenen Achsen der Elemente des Gemäldes befinden. Ein weiteres grundlegendes Merkmal von Urban Vertical ist die Farbe des Himmels im Kontrast zum Schwarz seiner Straßen und Gebäude. Es geht um Farben, die den gestalteten Raum hervorheben und ihm Tiefe verleihen. Ein Bild (Aquarium) lädt sich tagsüber auf und Teile des Bildes (Fische) leuchten bei Dunkelheit. Einige Werke von Eva Raboso können mit einem Laserpointer verändert werden. Der Effekt hält dann 30 Minuten an.
Ihre Werke werden ab der Vernissage am 10.08.2019 ab 18:00 Uhr präsentiert und alle Möglichkeiten werden gezeigt.
Wir freuen uns auf Euch.
Karo Krämer
Mit 14 bekam Karo Krämer (*1987) ihre erste Analogkamera und legte sie nicht wieder aus der Hand. Inzwischen haben sich einige digitale und weitere analoge Kameras dazu gesellt, doch das Herzstück der Sammlung ist eine alte Canon AE-1. Mit ihr entstand auch diese 8-teilige Serie. Die freie Fotografin und Videojournalistin lebt und arbeitet in Berlin und produziert Stücke für verschiedene Kultur-Redaktionen.
Britta Reinhardt studierte Freie Kunst in Berlin und ließ sich in Marokko im traditionellen, islamischen Stuckhandwerk ausbilden.
In Kindheit und Jugend verbrachte sie viel Zeit in Marokko und mit den Menschen dort. Später beschäftigte sie sich vor Ort mit der Technik und Kunst der traditionellen arabischen Stuckarbeit und den Feinheiten der Konzeption und Herstellung von Mosaiken. „Auch die Formensprache der marokkanischen Kultur hat sich auf wundersame Weise in meine Arbeit eingenistet…” Sie lebt und arbeitet im Rheinland, in Berlin und in Marrakesch. Ihre Werke sind Malereien, Skulpturen, Stuckarbeiten und Performances, immer wieder auch miteinander verbunden. Britta Reinhardts Arbeiten haben einen engen, emotionalen und inhaltlichen Bezug zu ihren wechselnden Umgebungen und den Menschen, auf die sie trifft. Sie mag es BUNT, liebt das Spontane und ist in ihrem Leben und in ihrer Kunst immer für eine Überraschung gut. Ihre Begeisterung und Leidenschaft für große Flächen und plakative Formensprache geht auf ihre Erfahrungen in einem Pariser Atelier zurück, wo großformatige Kinoplakate entworfen und per Hand gemalt wurden.
Ihre Kunst entspringt ihrem positiven Lebensgefühl. Sie möchte den Betrachter auf die Poesie des Alltags einstimmen und sein Leben bereichern. Mit ihren Bildern animiert sie den Betrachter seine Umgebung und sich selbst zu öffnen und im positiven Sinn wahrzunehmen und zu gestalten.
So entstehen Werke, die experimentell sind und in die Gesellschaft hinein wirken.
Sie nutzt die unbegrenzten Möglichkeiten zur Verschönerung der Schönheit oder der Verhäßlichung der Häßlichkeit zu widmen. Sie bewegt mit ihrer Kunst die Menschen, für die Verbesserung der Umwelt und unserer Lebensbedingungen einzutreten und für die oft schwierige Kommunikation zwischen Menschen und Kulturen sensibler zu werden.
Die Malerei steht im Zentrum ihres Schaffens.
2017
Acryl auf Leinwand
200 x 320 cm (2 teilig)
5.200,- €
Künstlerbiographie Gustav von Hirschheydt
Gustav von Hirschheydt wurde 1959 in Landsberg am Lech geboren und wuchs in Tübingen auf. Nach dem Abitur studierte er zunächst evangelische Theologie und anschliessend Humanmedizin in Tübingen, Göttingen und Berlin. Seine künstlerische Ausbildung erhielt er an einer privaten Kunstakademie in Berlin. Er arbeitet als FA für Allgemeinmedizin und freier Maler.
Das vom Vater vererbte künstlerische Talent pflegt er seit seiner Kindheit. Seinen Ausdruck findet er besonders in der Malerei, aber jüngst auch in figürlichen plastischen Arbeiten. Das Werk changiert zwischen figürlichen und abstrakten Themen. Der Künstler experimentiert mit Stilen und Formen und lässt sich bewusst nicht auf eine bestimmte Richtung festlegen. Entsprechend existieren figürliche und abstrakte Arbeiten gleichberechtigt nebeneinander. Gemeinsam ist aber allen Bildern die Vorliebe für gesättigte, kräftige Farben und Kontraste. Sein bevorzugtes Medium ist daher die Ölmalerei, die mit ihrem unerreichten Farbausdruck dieser Präferenz entgegen kommt.
Um der zeitgenössischen Kunst in Berlin einen eigenen Raum zu schaffen, gründete er 2017 eine eigene Galerie und einen Kunstbuchverlag in Berlin. Seine Arbeiten sind regelmäßig zu sehen in der Galerie Raab, Galerie Diana Achtzig, Galerie MT und in der eigenen Galerie.
Stefan Merkt … 32 Jahre Kunstwerke aus Briefmarken
Seit April 1989 erschafft Stefan Merkt seine Kunstwerke aus gewöhnlichen Briefmarken. Den Berliner Künstler interessieren dabei weniger die Informationen der Marke als deren Farben, Formen und Strukturen. Mosaikartig werden von ihm hunderte dieser bunten Postwertzeichen zusammengefügt und übermalt. Briefmarken in Reih und Glied, allerdings nicht militärisch streng, sondern verspielt, eher tanzend als marschierend.
Inzwischen blickt er auf über 3000 Kunstwerke auf über 660 Quadratmeter Kunst aus Briefmarken zurück. Neben abstrakten Arbeiten bevorzugt Stefan Merkt die bunte Welt der Pop Art oder die Neuinterpretation von Comics und den expressionistischen Bildern des “Blauen Reiters” – auch Skulpturen gehören in sein Repertoire.
Mit bundesweiten Ausstellungen in Kulturforen, Cafés und Hotels, kleinen Galerien, Arztpraxen oder in einem Fitnessstudio, einem schwäbischen Kuhstall, einem Fashion Store, einer Sauna, einer Neuköllner Punkkneipe oder einer Charlottenburger Kirche und den begleitenden Publikationen erreicht Stefan Merkt immer wieder Menschen, die nicht nur in Museen oder Galerien anzutreffen sind und bringt ihnen große Kunst aus kleinen Marken näher.
Die zweite Ausstellung in der MT-Galerie in Berlin im Mai 2021 ist die 942. Ausstellung von Stefan Merkt.
Zygmunt Blazejewski
Künstlerischen Arbeit – Malerei und Zeichnung
Interesse für Bühnenräume, Rauminstallationen und seit 2000 erstmals Großskulptur
Preise und Ehrungen
2001
Kunstpreis der Heussenstamm-Stiftung, Frankfurt am Main
1986
Nominiert für das Massimo Stipendium der Bundesrepublik Deutschland
1989/90
Theaterpreis Ruhrfestspiele Recklinghausen,
CAMILLE CLAUDEL – EINE FRAU,
Regie: Cornelia Hargesheimer
Über 30 verschiedene Werke = Auf Anfrage
Lack auf Milchfolie / mit Aufhängung
84×187,5
Nr.: 32 / 33 / 37
Je 200 €
Acryl/Leinwand/Dispersion/Leim/Pl astik Klangschale + Klöppel vergoldete Stele/Halterung
83x115x11
36(Radius)x14(Höhe)
80×96 / o:49 / u:39
Nr.: 17-002
4165 €
Acryl auf Leinwand, Laminage, Goldecken
100×80
Nr.: 17-004
1900 €
Acryl auf Leinwand/Dispersion/Leim
40×30,2
Nr.: 17-006
330 €
Acryl auf Papier, Negativdruck, mit Rahmen
40,5×30
Nr.: 17-007
330 €
Acryl auf Leinwand/Dispersion/Leim/Folie
43×24
Nr.: 17-008
395 €
Acryl auf Leinwand, Plastik, Nagel, Kette
45×45
Nr.: 17-009
510 €
Holz/Rahmen, Fotopapier (22 Rollen von 210)
62,9×24,9
Nr.: 17-014
145 €
Pressspahn, Kunststoff, Kabelbinder, Pappe, Goldlack
67,9×116
Nr.: 17-015
4760 €
Laminage, Goldlack auf Zeitungstext/-bild, Zeichnung/Filsstift, Plastik
27×85
Nr.: 17-016
145 €
Verschiedene = Auf Anfrage
Laminage, Farbe auf Folie, Klebestreifen
21×29,7
Nr.: 17-017-01
je 65 €
Laminage, Farbe auf Folie, Klebestreifen
21×29,7
Nr.: 17-018
400 €
Alex Maßhold
Andreas Altvater
Geburtsdatum: 02.12.1984
Geburtsort: Krasnojarsk, Russland
Tel: +49 (0) 1511 84 27 898 Mail:
andreas.altvater@gmail.com
Instagram: andrey.phi
Web: diese.co
Beruflicher Werdegang:
2005 – 2006 Praktikum bei RTL Television Berlin
2006 – 2008 Freiberuflicher Tonassistent -Hauptsächlich RTL-Group
2008 – 2009 Freiberuflicher Jung Kameramann -RTL, n-tv, Vox, rtl2
2009 – 2017 EB- Kameramann -RTL, n-tv, Pro7, ServusTv, ZDF, ARD, Sat1… (unertanderem)
2010-2015 Musik Videos der HipHop Band “EGOLAND“
2013-2017 DOP bei Internationalen Doku Formaten (Image, Werbung, Tv) -Panasonic, Essens, Dong Energy …
2015-2017 #mobile_art – A.Ф (Freischaffender Künstler)
seit 2008 bis Heute
Freiberuflicher Kameramann, Künstler und Filmemacher, Berlin
Showreel: www.vimeo.com/120847427
TV
Diverse Beiträge und aktuelle Berichterstattung für RTL Television / Exklusiv, Punkt 6,9 & 12, Aktuell, Extra, Explosiv
Beiträge für N-TV Nachrichten, N-TV Deluxe
Pro Sieben / Div. Beiträge für Taff / Galileo/ Urlaubs Crasher / Service Extrem
Sechs Monate EB-Kameramann für Servus TV (Östereich/ Wien) – In Style
Beiträge für VOX – Shopping Queen, Die Einrichter, Prominent, Mieten Kaufen Wohnen
rtl2 / News, Family Stories, 100 Tage Reportage
RTL 4 / Niederlands / News
Sat1 / Akte 012/013/014/014,015,016 / Magazin
Az Media / 30 Minuten Deutschland
Dokumentation
Tchernobyl – 20 Jahre Danach 2015/2016
Tripple X Schiffe – Giganten auf Reise 2015/2016
SWR / Schlaglicht Die Reportage – Schwertransport 2009
Stroke / Urban Street Art
Image
Filme Offshore – Image & Corporate Filme für: ENBW – Vattenfall – Dong Energy Produzent: Daniel Baar / Weltenangler DOP: Andreas Altvater
Knoop & Kollegen Notar und Rechtsanwälte / Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold
FSE Förderung Sozialer Einrichtungen gGmbH / Pflegeeinrichtungen: Treptow – Johannisthal, Käthe Kollwitz Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold
Reach Local GmbH / Job, Karriere und Team / Deutschland
W.O.M World of Medice / Messefilme / Deutschland
Lemke Vison / Messefilme
Hotel Image Filme: Olver Apart Hotel, Castell Hotel, Artim Hotel
Musik Videos / Kurzfilme
Egoland – alle Musik Videos (ca. 30 Musikvideos ) www.youtube.com/user/jutegangtv Planetensystem 2015/2016 Migration 2015 Das Kleine Büro 2014 Antination 2013
Lucry & Nico (ca. 15 Musikvideos ) Autopiloten 2011-2012
Exklusiv (feat. Teesy), Redet Aber Sagt Nichts, Nachklang, So Schön / Regie: Andreas Altvater Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold
Madmax – Here We Are / 2010 Regie: Andreas Altvater Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold Making Of: Ingo Blacher
Magvay & Novskyy feat. Benni Fridge – Mir Geht Es Gut / Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold Making Of: Ingo Blacher
Beni Fridge Urban Sleeper / ANDREAS ALTVATER Kameramann VITA 2017
Regie: Andreas Altvater Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold Making Of: Christian Craciun
Big Deal – Kurzfilm Regie Zejnula Sahiti Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold 2 Kamera: Ingo Blacher
Werbung
Enexy – Harris / Jopi Heesters Produktion: Jocker Productions Regie: Christopher Böhnke 1 Kamera: Uwe Irsinger 2 Kamera:Andreas Altvater
Nr.:24
Acrylglas Galleryprint
40×40
250,-€
Gregori Levit
22.01.1998 in Berlin geboren.
Jüdisch / russische Wurzeln.
Hatte schon als kleiner Junge künstlerische Ambitionen.
Seine spirituelle Eingebungen, sowie intensieve Naturverbundenheit inspirieren ihn aus dem Kopf, Gemälde in Öl entstehen zu lassen.
Er ist ein Allrounder und Naturtalent. Restauriert u.a. antike Möbel, Bilder etc.
Sonderaufträge sind möglich.
Die ausgestellten Werke können ohne, oder auch mit antikem Rahmen vor Ort während der Ausstellung sofort erworben werden.
Künstler ~ Maler ~ Restaurator
Gregori Levit
Geboren 1975 in Cameriono
Schulausbildung
1981-1986 Scuola Elementare Viale trento – Grundschule in Fermo
1986-1990 Scuola Media Ugo Betti – Mittelschule in Fermo
1990-1996 Instituto d’Arte, sezione metalli, Umberto Preziotti – Künstlerisches Gymnasium in fermo
Hochschulausbildung
1996-2001 Accademia di belle arti di Macerata – Kunstakademie laureato in pittura – Abschluss als Maler
Berufliche Erfahrungen
2001-2012 Ausstellungen in Italien
2012-2014 Power Art in Süditalien: Kollektivaustellungen mit Kurator Mimmo Domenico Di Caterion
2014-2016 Ausstellungen in Berlin unter Mitarbeit von fred Laur
20.03.2015-27-03-2015 Kollektivausstellung im Wolf-Theater
03.04.2015-09-04-2015 Eigene Ausstellung in “Das Kapital”
26.06.2015-28.06.2015 48 Stunden neukölln. Kollektivausstellung in den Artgaragen
10.07.2015-11.06.2015 Ausstellung “Der Fuchs und die Tauben” in den Artgaragen
14.09.2015-20.09.2015 Berlin Art Week. ECC Weißensee am 2. Flur
01.02.2016-2016 “Essen ist Leben” im Restaurant Fellas
Geboren 1982 in Tartu, Estland
Ausbildung
2013-2014 Universität der Künste Berlin, Prof. Josephine Pryde
2010-2014 Estnische Akademie der Künste, Fotografie
2002-2004 Schule der Komunikation, Fotografie
02.2013-07.2013 Praktikum in der Galerie After the Butcher und Assistent für Thomas Kilpper
Berufstätigkeit
2008-2012 Estnische Kunst Akademie. Fachbereich Fotografie, Meister im Fotolabor
2006-2008 KOKO Architecte, Foto-Assistent
Berufliche Erfahrung
2004-2010 Kollektivausstellund “Side löpp” in Kiek in die Kök Happening “Twister alter egodel” mit Ottic Perfomance in EKA G mit A. Parve Kollektivaustellung TASE in EKA
2013-2016
07.12.2013-11.01.2014 Gruppenaustellung “Immer noch allein, Karriereseife?” in After the Butcher
Austellungen unter Mitarbeit von Walter Santoni
20.03.2015-27.03.2015 Kollektivaustellung im Wolf-Theater
03.04.2015-09.04.2015 Eigene Ausstellung in “Das Kapital”
26.06.2015-28.06.2015 48 Stunden Neukölln. Kollektivaustellung in den Artgaragen
10.07.2015-11.06.2015 Ausstellung “Der Fuchs und die Tauben” in den Artgaragen
14.09.2015-20.09.2015 Berlin Art Week. ECC Weißensee am 2. Flur
01.02.2016-2016 “Essen ist Leben” im Restaurant Fellas
Nr.: 11
60 x 60 cm
800,- €
Nr.: 21
113 x 92 cm
1000,- €
Deda Rätz
Zeichnung,Malerei, Graphik
lebt und arbeitet in Neuenhagen
1957 in Stendal geboren
ab 1980 erste autodidaktische Versuche der künstlerischen Auseinandersetzung mit verschiedenen Stilrichtungen der Malerei vorwiegend Arbeiten mit Wachs und japanischer Tusche
Ausbildung im pädagogisch – künstlerischen Bereich
berufliche Tätigkeit in eben diesem Bereich
fünfjähriger Aufenthalt in Ägypten
Einzelausstellungen (Auswahl)
1986 Ägypten (Kairo)
1998 Neuenhagen Galerie Rhode
Ausstellungsbeteiligungen
2000 Neuenhagen Galerie Rhode
2005 Berlin -Reinickendorf, Rathaus
2011 Beteiligung Brandenburgischer Kunstpreis
Kalenderblatt IHK Frankfurt/Oder
