MARO – Bags that tell stories. Of style. Of charm. Of character.
Anyone who has met MARO – whether in person or through her bags – quickly realizes: there’s more to it. More than design. More than fashion. More than trends.
MARO stands for real personality – and that runs through every single one of her creations.
Even as a teenager, MARO had a good sense of what suited her – and above all: what made her stand out from the crowd. Whether bold, playful, or with a cool twist – she never wore anything off the rack. She sewed. For herself, for friends, for anyone seeking something special. And she was always the one people noticed at parties, in social circles, or on the street. Not because she wanted to stand out – but simply because she did.
MARO is not just a designer – she is a passionate, humorous soul, with a storm of ideas in her head and a sewing machine in tow. After many years in the professional fashion world, where she learned everything about cuts, materials, and customer desires, she fulfilled a dream: to create her own brand, one that follows no rules – except for her own intuition.
Her bags are just like her: sometimes elegant, sometimes wild, sometimes quiet – but never boring. MARO combines high-quality tapestry fabrics with bold colors, special patterns, or that certain twist. Old jeans are given a second life and transformed into stylish details – or take center stage as the main material. Upcycling? Yes – but not as a trend. Rather, it’s a conviction, done with taste.
Every bag is unique – lovingly handcrafted, with attention to detail, and with the goal of accompanying people who want something original. Whether for city shopping, a weekend getaway, or just everyday use: MARO’s bags are always the right fit – because they’re not only beautiful but also practical and durable. And because they carry a story with them. Maybe even yours.
What makes MARO special? She doesn’t take herself too seriously, but she takes her craft very seriously. Anyone who speaks with her quickly realizes: Here is someone who doesn’t just sew, but lives what she does. With a smile on her face, a witty remark on her lips, and a clear sense of style in her heart.
MARO is more than a brand. MARO is feeling. Character. And a bit of free spirit.
Olis Paintings
Oli – From Hotel Clerk to Painter: A Journey Between Bipolarity and Creativity
As a child, Oli dreams of a world of colors and shapes. A life defined by the freedom of creative expression, where he can freely engage with the art of painting. But life, as it often plays out, has other plans for him.
Instead of picking up a paintbrush, Oli follows the conventional paths laid out by his surroundings – yet the urge for art remains ever-present. Oli’s life story is not only one of sacrifice but also of transformation. It is a story about the courage to change one’s life and embark on a search for what truly fulfills.
Childhood: The First Encounter with Art
From a young age, Oli has a deep connection to art. Colors and shapes are his first companions, constantly fascinating him throughout his childhood. It is a time of play and discovery, a time in which he perceives the world in his own, creative way. These early impressions shape him profoundly and leave him with a lasting desire to engage more deeply with the world of art.
But like many children driven by a dream, Oli must quickly face reality. The world outside his creative universe is not always ready to accept or nurture this passion. Instead, the focus is placed on practical life decisions, and Oli eventually finds himself headed in a completely different direction – one that takes him further away from art than he could ever have imagined.
Adolescence: The Path to Fashion Design
In his teenage years, Oli’s interest takes a decisive turn: The fascinating world of fashion captivates him and ignites a passion for clothing design. For him, fashion is much more than just external style – it represents a powerful means of transforming and reshaping a person’s identity. Fashion becomes for Oli a form of “transformation art,” enabling one to change their self-image and simultaneously influence the interactions between the wearer and their environment.
The idea that fashion can not only shape a person’s external appearance but also their inner being fascinates Oli. The power of clothing, the way it forms and alters a person’s perception, becomes a central theme in his early engagement with art. This interplay of cause and effect, the manipulation of identity, perception, and change, remains a guiding motif in Oli’s work today. It is the red thread that runs through his artistic journey and infuses his creations.
Career Path: From Hotel Clerk to Film Producer
Despite his burning passion for art and design, which has accompanied him since his youth, Oli decides to follow a seemingly secure and “reasonable” path. The voices of reason and society whisper to him that he should choose a “respectable” profession – one that guarantees a good income and helps him leave his mark. So, he sets aside his artistic soul and steps into a tradition that promises a solid foundation. He becomes a hotel clerk, then a startup film producer, and eventually a marketing consultant. But in each of these career steps, he feels the longing for the freedom to express himself creatively, a deep, ever-present flicker that never fully fades.
However, despite the great creative potential that many of his professional activities bring, Oli increasingly feels alienated. The projects he works on have little to do with the higher, meaningful goals he has secretly longed for. The art he loved so much as a child recedes further and further into the background. Oli realizes that he is living a life that does not align with his true self. This sense of alienation eventually leads to a classic “midlife crisis.” The pressure and frustration grow until Oli decides to take a break and work on himself. It is during this period of reflection that a decisive turning point in his life occurs.
The Turning Point: The Decision to Become an Artist
On his 50th birthday, Oli makes a decision that will change his life forever: He will spend the second half of his life as a painter. It is a spontaneous but deeply considered decision. “I’ve always wanted to do this,” he says to himself. “I’ve dreamed of being a painter since I was a child.” But time and again, it was external circumstances that held him back – the pressure of society, the need to earn money, the expectations of his family. Now, at a time when he understands his own values and needs more clearly, he is finally ready to live the dream that had been denied to him for so long.
With every brushstroke, Oli’s creative vision unfolds, going beyond mere fantasy and diving deep into the layers of his own life experiences. Painting becomes for him more than just an artistic expression. It becomes a mirror of the dualities that define life. In his works, the contradictions of existence merge into a powerful unity: With his typically bright and vibrant colors, his pieces remind us of the happiness that stems from the bipolarity of the beauty and joy of life, as well as the shadowy colors of fear and pain. Traces of his journey through the highs and lows of life, which have made him the artist he is today.
Oli’s Art: Between Figurative and Abstract
Oli’s artworks are unique in their depth and expressiveness. What makes his painting so special is the dialogue between different layers of reality. His images contain both figurative elements and abstract forms, which interact with one another, creating a constant interplay between clarity and ambiguity.
A central theme in Oli’s works is the “bipolarity” of life. The contrast between positive and negative experiences. Between light and shadow, between closeness and distance. These polarities are what make life what it is, and they are reflected in his paintings. It is this dualism that Oli portrays in his works – the connection of beauty and sorrow, joy and loneliness. Happiness and fear. Cause and effect.
The layer work that is visible in Oli’s paintings is another characteristic feature of his style. Each painting is built up in several layers, with each layer adding a new level of meaning and interpretation. This layering creates a depth that invites the viewer to discover new details and facets over time. What initially appears abstract reveals itself after closer inspection as a concrete image, and what first seems tangible transforms into an abstract representation. These shifting perspectives are what make Oli’s art so fascinating and multi-layered.
The colors and forms are drawn from poems in which he has expressed his hopes and fears for years. This bipolar process is the central momentum of his work.
The Impact of His Art: A Reminder of Life’s Beauty
Oli believes that art has one main task: It should remind us that life, and all of us – despite all difficulties and challenges – are beautiful. In a world often marked by fear, isolation, and alienation, it is his intent to bridge the gap with his paintings, reminding the viewer of the positive sides of life. “I want to work on things that make me and others happy,” says Oli. “And that’s what my paintings should convey: That life is beautiful, that we are beautiful – despite everything.”
The variety in Oli’s work, which allows for new discoveries upon longer reflection, is an expression of this belief in the beauty of life. These are paintings that are never quite finished, always offering new perspectives and inviting the viewer to engage more deeply with themselves and the world.
The Path of an Artist
Oli’s journey, from hotel clerk to film producer to marketing consultant and finally to painter, is a powerful narrative about the courage to follow one’s dreams, even when they seem distant and unattainable. It is the story of a profound inner transformation, a journey toward self-actualization, and the unceasing search for the true meaning of life. Through art, Oli finds not only a way to express himself but also a healing process that accompanies him in his darkest moments and helps him see the world with new eyes.
Through his paintings, Oli reminds us of the importance of life’s bipolarity and shows us that both the bright and dark sides of life have their place. In a world often shaped by black-and-white thinking, Oli invites us to accept the diversity of experiences and celebrate life in all its depth and beauty.
Oli has chosen to dedicate the second half of his life to painting. And with every brushstroke, he gives us a reminder that true beauty resides within us all, regardless of our flaws and fears. His art speaks a deep truth: We are complete, just as we are, and we deserve to see ourselves in all our unique glory.
2024
Acrylic on Canvas
175cm x 150cm
2.450 €
2021
Acrylic on Canvas
160cm x 140cm
1.950 €
2020
Acrylic on Canvas
160cm x 140cm
1.950 €
2022
Acrylic on Canvas
180cm x 160cm
2.650 €
2024
Acrylic on Canvas
175cm x 150cm
2.450 €
Wolfgang Arnold
A life for art and its diversity
Eisenach, Germany – Wolfgang Arnold, born in Eisenach in 1954, is much more than just a restorer and artist. With a fascinating life story and a passionate commitment to the visual art, he has built a rich artistic experience that makes it a significant name in the art scene.
Arnold’s journey through the world of art started early in his childhood in the village near Eisenach. Even then, he showed an extraordinary interest in pictures, art and history that accompanied him on his life. Inspired by masterpieces of visual arts and history, he spent many hours to draw and deal with various epochs and cultures.
After training as a painter, Arnold studied as a restorer at the University of Applied Sciences for Advertising and Design Berlin, Potsdam branch. His interest spanned Gothic art to the art of the 20th century, whereby he dealt intensively with various techniques and styles. In addition to his work as a freelance restorer, he also worked as a specialist advisor for monument conservation and made expert opinion for construction projects within the Strausberg monument protection authority.
But Arnold’s passion for art goes far beyond the restoration. Over the years he led painting courses in artistic education in schools and clubs, taught drawing and painting techniques at adult education centers and other facilities and created numerous illustrations, caricatures and murals. His artistic range ranges from landscape painting and Plein-Air art to experimental photography and the production of stucco marble and gilding techniques.
For Arnold, art is not just a visual experience, but a source of inspiration and expression. “What is art and what can art do?” He asks and replies: “Beauty, power of diabolical, symbolism, chaos. The work of art needs the viewer as a separate artist. ”
With his rich wealth of experience and deep passion for art, Wolfgang Arnold remains an outstanding personality that enriches the world of art and culture.
Lia and Elvira
Lia
Lia Tee was born in Siegen, in a very unspectacular environment full of Hardware stores and free evangelical churches. After 7 years in Cologne, she moved in 2015 to Berlin. She bought her first camera (a Canon1800D) in 2017. Since 2019 she started to photograph a bit more professionally, in addition to her studies in the Comparative Literature and Film at the Free University of Berlin. Her artistic motifs are emotions, lack of emotions, strength, weakness, the human being in connection with his environment, ambivalence and tolerance of ambiguity, and, moreover, the apocalypse. Her pictures are often naïve, somewhat out of focus or blurry, imperfect. All from a feminist point of view. The models are often friends, the stories that are told are about contemporary processes and are often created with the help of Everyday objects, as if random and semi-improvised.
Elvira
Elvira Nisman, originally born in Moldova in 1989, has her artistic Gone and existence only in 2019 after some professional and adventurous stations found. However, her passion and dedication to photography has already accompanied her for a long time. Throughout life, above all as a visual medium for one’s own self-liberation and not most recently as a therapy. Elvira’s photographs deal with the themes of identity, more unconventional beauty, unspoken interpersonal relationships, emotions and Non-emotions.
On the one hand, her works are characterized by a minimal, clean aesthetic and on the other hand, by striking dimensions. She likes to demand uncomfortable things, unfiltered truths and depression and makes it through photography and writing to transform them into a very special beauty of their own. Her motifs are mostly people she happens to approach on her many travels, Models of all kinds, or even best friends who have their very own in front of Elvira’s lens. Telling history – preferably with a poetic, bitter aftertaste. Elvira works both freely and artistically in projects with social and societal background, as well as for commercial customers in the field of advertising photography. She’s freelance in Berlin, as well as ready for use worldwide.
Nick Enselmann
Nick Enselmann (*1992 in Hagen) has lived in Berlin since 2014, where he created the abstract Painting has discovered itself. For five years now, he has been playing analog and digital canvases that reflect the aesthetics of the everyday in the abstract Open up room for interpretation. The changeable in perception is in the Focus; a search and finding in shapes and colors, an equal view and Seeing differently in the exchange of those who meet in front of the screen – in the Communication with art. The exhibition “You see what I don’t see?” invites you to do so.”
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 220 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 200 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 360 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 290 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 400 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
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Preis: 450 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50
Glasscheibe
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Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
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Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
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Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
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Preis: 410 €
Größe: 30×40
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Glasscheibe
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Preis: 410 €
Größe: 30×40
Gerahmt 40×50,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 410 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 320 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 240 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 260 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40,
Glasscheibe
Passepartout
Preis: 360 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 220 €
Größe: 20×30
Gerahmt 30×40, Glasscheibe
Passepartout
Preis: 280 €
Dietrich Tosch
Dipl.-Designer
Studium in Berlin – Diplom der Akademie für Grafik und Design Berlin
„Ein Deutscher mit französischen Farben“
(Presse-Zitat: Riviera Côte d ́Azur-Zeitung 11/2007)
Umfangreiche Südfrankreich-Reisen haben meinen Malstil stark
beeinflusst. Es sind Bilder in den Farben der Provence, im Stil des
französischen Impressionismus und inspiriert von Renoir u. Monet.
Einzelausstellungen u.a. im „Maison de France“ am Kurfürstendamm
Berlin, bei Christofle und Féraud Berlin, Kunstauktion am Montmartre
Paris, in Montatair b. Paris und weitere Ausstellungen in Frankreich,
Berlin, Dresden, Potsdam und im Land Brandenburg.
Medienecho in Deutschland und Frankreich (u.a. „RIVIERA COTE
D ́AZUR-ZEITUNG“, „THE MONACO-TIMES“, „IL CORRIERE DELLA
COSTA AZZURA, „Rhein-Main Presse-Allgemeine Zeitung“, „Berliner
Morgenpost“, „B.Z.“, „Potsdamer Neueste Nachrichten“, „Dresdner
Kurier“, „Unternehmer Magazin“, „Kultur-Kanal“, „Art&Ambiente“ usw.
Liebhaber provençalischer Farbenpracht, heiterer französisch-
impressionistischer Bilder und des “savoir vivre”, fanden Interesse an
meinen Bildern.
Sie sind in Privatbesitz in Deutschland, Frankreich, Brasilien, den
Niederlanden und in New York.
dio – dioletart
Ganzes Video auf Youtube anschauen
Wir präsentieren euch ab dem 12.03.2022 die neue Berliner Künstlerin Dio. 1982 im Harz geboren, wuchs sie in einer kreativ
begabten Familie auf, Vater Steinbildhauermeister, Mutter Malerin.
Sie lebt seit 2012 in Berlin, die Stadt, die sie schon als Kind
magisch in ihren Bann gezogen hat und von der sie sich immer wieder
kreative Impulse erhofft. Hier arbeitet sie in der Verkaufsbranche im
Akquisitionsbereich.
Parallel dazu lebt sie ihre künstlerischen
Ambitionen sowohl in der Musik als auch in der
Malerei in vielen Facetten aus, denn schon seit
frühester Kindheit hat sie intuitiv nach kreativen
Ventilen gesucht, um ihren Emotionen Ausdruck
zu verleihen.
Als Singer-Songwriterin hat sie in mehreren Bands
ihre musikalische Seite verwirklichen können.
Derzeit arbeitet sie unter „ultradiolet“ an ihrem
Soloprojekt.
Beim Malen spielt das Hören von Musik für sie zudem eine entscheidende
Rolle, es öffnet Ihr den Zugang zum Malprozess.
Ausgestattet mit dem „Wiegentalent“ entwickelte sich dann
in der Jugend die Passion zur Malerei, welches sich in späteren Jahren nach ihrem Motto intensivierte:
„Die Kunst ist wie ein Portal – von meiner Seele zur Außenwelt“.
Sie beschreibt ihre eigenwillige Schaffensphase als einen für
sie intensiven Befreiungsprozess, der sich in der besonderen Technik und dem
Endergebnis reflektiert.
Die Geschöpfe in ihren Bildern verbergen sich für sie im
vermeintlichen Chaos des je nach Stimmung gespachtelten
Hintergrundes – sie „befreit“ sie lediglich und findet in
ihnen ihren „Seelenspiegel“.
„Wenn Gedanken oder Gefühle zu laut werden, weil Sie raus wollen, mache ich sie sichtbar.
In meinen Bildern werden Sie dann friedlich und geben mir Energie, so als spürte ich Ihre Dankbarkeit dafür, dass ich Sie befreit habe.“
Technik: Mehrschicht-Acrylmalerei,
Spachteltechnik,
Konturen- und Lackstifte, teils auch Blattgold
Die Künstlerin wünscht sich mit ihren Werken Menschen emotional positiv zu erreichen.
Sie möchte den Weg für den Blick in sich selbst öffnen, zum Nachdenken anregen und Hoffnung, Zuversicht sowie Lebensfreude vermitteln.
Wir freuen uns auf diese einzigartige Ausstellung und laden euch zu Dios Vernissage am 12.03.2022 ab 18:00 Uhr ein.
Kommt unbedingt vorbei!
Dorota Samborski
2012
Acryl auf Leinwand
100 x 100 x 3,5 cm
2400 €
2012-21
Acryl auf Leinwand
23K – Blattgold
100 x 100 x 2 cm
2400 €
2008 bis 20-21
Acryl auf Leinwand
85 x 140 x 2 cm
2600 €
2000
3D Objekt – Skulptur Mischtechnik
Alabastergips, Kunststoff Büste
Gesamthöhe ca. 44 cm
1450 €
2008
Acryl auf Leinwand
60 x 80 x 2 cm
2.400 €
2021
Orig.Burostempel
Acryl auf Holz – 23K BlattGold – 9 mm
Munition Luger, H 8,7 cm x B4,8 cm x T 2,3 cm
50 €
2021
Orig. Stempel mit Schriftzug – 3 x 9 mm
Munition – H 8,6 x B 5,2 x T 2 ,6 cm
50 €
2021
Orig.Stempel
23K BlattGold auf Holz – 3 x 9 mm
Munition Luger – H. 8,7 x B 4 x T bis 2,5 cm
50 €
Meriana Ejjeh
Meriana Ejjehs Werke setzen sich aktuell aus abstrakter Kunst, Portraits und zukünftigen Projekten zusammen, farblich intensiv gestaltet lassen sie einen großen Spielraum für Interpretationen. Sie will Hoffnung in den Menschen erwecken, Freude, Stärke und Liebe verteilen. Die Kunst begleitet Meriana schon ein Leben lang, war und ist ein wichtiger Bestandteil ihres Lebens. Ihre Liebe zur Kunst begleitet sie schon immer und sie berührt die Menschen mit ihren Werken. Wenn Meriana an ihren Werken arbeitet, ist sie in einer Art Trance. Sie projiziert ihre Emotionen, ihr Inneres und die Art wie sie sich und ihre Welt sieht auf die Leinwand, hier kommt auch ihre zerbrechliche Seite zur Geltung. Niemals geradlinig oder konstant, ebenso wie das Leben spielt. Um ihren Horizont zu erweitern und ihre Ideen professionell umzusetzen, schulte sie ihre Fertigkeiten. Ihr Ziel ist es, in renommierten Museen auszustellen und ihre Werke weltweit zu verkaufen. Meriana stellt ihre Werke nun seit Januar 2020 der Öffentlichkeit zur Verfügung. Sie wird, anlässlich ihrer Vernissage, ein Interview geben und steht gerne für Fragen oder Gespräche bereit. Die MT Galerie freut sich darauf euch eine sehr begabte Künstlerin mit Empathie, Herz und enormem Fachwissen vorzustellen.
21×29,7 cm
Aquarell auf Wasserpapier
Spachtelmasse
2020
523 €
21x29x7 cm
Aquarell auf Wasserpapier
24 Karat Blattgold
2020
600 €
50x70x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2020
2000 €
50x70x3 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold, Kunstspachtel
2020
1800 €
40x40x2 cm
Öl, Acryl auf Leinwand
Blattgold 24 Karat
2020
1050 €
50x60x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2020
1282 €
20x20x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstspachtel, Sand
2019
2 Stück 1200 €
20x30x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier, Acrylgold
2020
845 €
20x40x2 cm
Acryl auf Leinwand
Acrylgold, Kunstblattgold
2019
1225 €
20x40x2 cm
Acryl auf Leinwand
Acrylgold, Kunstblattgold
2019
1025 €
20x40x2 cm
Acyl auf Leinwand
Kunstblattgold
2019
1200€
20x60x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2020
1025 €
40x40x,2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2019
1184 €
25x30x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier, Kunstspachel
2019
655 €
40x40x2 cm
Acryl auf Leinwand
Kunstblattgold
2019
525 €
20x20x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier
2019
845 €
20x20x2 cm
Acryl auf Leinwand
Zeitungspapier, Sand, Kunstblattgold
2019
825 €
Georgi Takev
The artistHis works are oil paintings that depict abstracted, alienated faces and masks that reveal the experience and the inner life of people.he got his inspiration from observing folds of cloth and paper in which faces and archaic masks became visible by chance.he then began to experiment with these impressions and consciously designed some folds to show the most different expressions of human faces, such as smart, stupid, hurt, rough, interested, amused. In the end, it is the souls of people who have wandered through the centuries of history and carry their injuries, anger and joy within themselves. The goal of his artistic work is to encourage and show people that by looking at things in a different way, even the inconspicuous, feelings, thoughts and creativity are stimulated and released.
Segede Demissie
Herr Segede Demissie ist in Äthiopien geboren.
Wegen politischer Probleme musste er sein Studium abbrechen.
Er kam als junger Erwachsener nach Berlin und war und ist als Musiker und Maler tätig und arbeitet mit seiner Ehefrau im Rechtsanwaltsbüro.
Er spielt Krar (äthiopische Harfe) und komponiert seine Lieder und schreibt auch die Texte. In den Texten geht es um Politik, Liebe und Menschlichkeit und um seine Heimat Äthiopien. Er trat früher sehr viel live auf, um Deutschland die äthiopische Kultur näher zu bringen. So spielte er auf der Grünen Woche, in der Urania, in Hamburg und anderen Städten, auf verschiedenen Messen, bei Veranstaltungen von Kulturvereinen, beim Karneval der Kulturen mit seiner damaligen Band nebst äthiopischen Tänzerinnen oder alleine.
Eine CD, in der Herr Demissie traditionelle Musik mit moderner Musik verbindet, wird in Kürze veröffentlicht.
Zudem schrieb und schreibt er regelmäßig Texte und Gedichte für äthiopische Zeitungen und Media, ein Roman wartet noch auf seine Veröffentlichung.
Drei Jahre lang war Herr Demissie auch Inhaber eines äthiopischen Restaurants in Wilmersdorf, indem er selbst kochte.
Auch dort gab es zu dem köstlichen Essen –kleine Kostproben hiervon sind bei der Vernissage geplant – auch Tanz- und Musikveranstaltungen und Performance aus Afrika.
Leider hat ein Unfall in einem Fitnessstudio im September 2010, der eine inkomplette Querschnittlähmung zur Folge hatte, viele geplante Objekte verzögert oder damals unmöglich gemacht. Aufgrund von sehr guten Ärzten, seiner ungeheuren Willenskraft und seinem Kampfgeist hat er es aber geschafft nach Monaten im Rollstuhl wieder ohne jegliche Hilfsmittel gehen zu können und trotz noch einiger Einschränkungen und Schmerzen wieder normal zu leben.
Zur Malerei kam Herr Demissie vor ca. 2 ,5 Jahren.
Zwar malte Herr Demissie auch als Kind schon gerne, leider stand in seiner Heimat zu dieser Zeit jedoch nie soviel Material zur Verfügung wie wir dieses hier immer gewohnt sind und waren. Besonders Blätter waren rar, Pinsel machte er sich teilweise aus anderen Materialen selbst.
In der äthiopischen Kultur malen die Kinder zum Neuen Jahr (dieses ist aufgrund eines anderen Kalenders, der 7 Jahre und 8 Monate und 10 Tage zurückliegt und so am 12.09.2019 in Äthiopien der 01.01.2012 gefeiert wurde), gelbe Blümchen und wenn sie diese dann „verschenken“, bekommen sie Geld von den Eltern und Verwandten. Herr Demissie erinnert sich daran, dass er etwas mehr Geld bekam, weil seine Blümchen immer sehr schön waren. Die Farben – meist grün, gelb und rot – für diese Bilder mischte er aus Pflanzen selbst zurecht.
Sein Vater sah weder das Interesse für Kunst noch das Interesse für Musik gern, er wollte, dass sein Sohn einen vernünftigen Beruf – zB Arzt oder Pilot – erlernt.
So musste Herr Demissie vieles heimlich machen. Seine Mutter hingegen hat sich immer über gemalte Bilder von Ihrem Sohn und Klängen von seine Harfe und seinem Gesang gefreut und tut es bis heute.
Auch die vielen Schwestern und Brüder von Herrn Demissie haben alle „vernünftige“ Berufe wie Apotheker, Krankenschwester, Lehrer, Jurist und Informatiker erlernt oder sind selbständig im Hotelierwesen tätig.
Trotz der Vorbehalte des Vaters gegen alles was nicht „handfest“ ist, liebte der Vater, der Direktor einer Schule war und Kaffee angebaut hat, nicht nur das Jagen, sondern auch das Fotografieren. Er nahm Herrn Demissie immer mit in seinen eigenen Dunkelraum, da Herr von dieser Arbeit und dem Weg zu einem Foto total begeistert war und Herr Demisse durfte mit arbeiten und kann sich hieran noch gut erinnern.
Das Fotografieren macht ihm heute noch große Freude und auch dieses ist in dieser – seiner allerersten Ausstellung – ein zentraler Punkt.
Herr Demissie zeichnet und malt überall und auf allem Material, zB auch auf Tempotüchern sowie Küchenrolle, Zeitungspapier, Rechnungen (Rückseite) und Alufolien.
Er malt vorwiegend mit Filzstiften sowie Textmarkern und auf Alufolien mit Öl.
Manchmal ist Morgens auf dem Küchentisch auch die Birne ein Kunstwerk.
Diese Bilder auf unterschiedlichen Materialien in unterschiedlichen Größen und mit unterschiedlicher Farbe fotografiert er dann mit verschiedenen Lichtquellen aus unterschiedlichen Perspektiven. Davon sucht er dann das, welches für ihn am schönsten bzw. interessantesten ist aus und lässt er dann professionell ausdrucken.
Und zwar nur einmal.
Das Kunstwerk ist für Herrn Demisse nicht das bemalte Tempotaschentuch, sondern das war es aus seiner Malerei in Kombination mit Licht und Fotografie hieraus gemacht hat. Viele der kleinen Originale sind teilweise von ihm entsorgt worden, da sich die Farbe auf Alufolie und auf anderen Materialien nicht lange hält. Zudem ist für ihn dieses kleine Stück Papier nicht sein Kunstwerk, sondern die Malerei in Verbindung mit der modernen Technik.
Wenn die Originale vorhanden sind, werden diese selbstverständlich bei einem Verkauf ausgehändigt.
Von der Thematik her malt Herr Demissie alles Mögliche, sehr gern auch Ufos, Aliens, Menschen und andere Wesen.
Er glaubt an die Existenz außerirdischer höchst intelligenter Wesen von anderen Planeten, die irgendwann auf der Erde erscheinen und den Menschen friedlich gesinnt sind, wenn nicht wir Menschen gegen diese „Wesen“ gewalttätig werden oder sie vertreiben.
Auch ist es eine Erinnerung an das Aufwachen nach seiner Operation im Jahre 2010 aus der Narkose, als er andersartige Wesen und Engel gesehen hat.
Dieses Thema beherrscht diese Ausstellung. „Humans and Aliens in Fantasyworld.“
Das Foto, welches neben dem Thema der Ausstellung zu sehen ist, ist nicht von Herrn Demissie, dort war er das „Modell“, eine Künstlerin hat dieses Bild hergestellt und es dann später für viel Geld verkauft. Dieses Geld kam dem Listro-Projekt, einer Spendenhilfe für äthiopische Kinder, die auf der Straße leben und als Schuhputzer tätig sind, zugute.
Die Bilder hat Herr Demissie seiner Frau geschenkt, der auch eventuelle Einnahmen zugute kommen.
Von diesen Einnahmen werden 10 % an äthiopische Straßenkinder gespendet. Hier halten wir es dann so wie Karl Heinz Böhm, Spenden werden persönlich nach Äthiopien gebracht. Und dieses wird nachgewiesen!! In diesem schönen Land, welches nie kolonialisiert wurde und daher alleine bis zu 80 Sprachen mit 200 Dialekten beheimatet, wird regelmäßig die Familie von Herrn Demissie besucht.
Die Bilder lassen zum Teil auch die Verbundenheit zu seiner Heimat erkennen, teils an den Farben der äthiopischen Flagge rot gelb und grün, teilweise auch an der Zeichnung des derzeitigen äthiopischen Premierministers Dr. Abiye Ahmed, der gerade den Friedensnobellpreis für seine Bemühungen um Frieden zwischen Äthiopien und Eritrea erhalten hat.
Um seine weiteren Motive vorzustellen, wird es in der Ausstellung auch eine kleine Vorschau auf die nächste Ausstellung geben.
Zu dem Zeigen der Werke möchten Herr Demissie in dieser Ausstellung auch einen kleinen Einblick in die äthiopische Kultur geben und dieses auf der Eröffnung auch mit einer äthiopischen Kaffeezeremonie tun.
lebt und arbeitet in Berlin
Lebenslauf
1945 – in Papenburg / Ems
64 – 65 – Studium Soziologie / Psychologie
66 – 69 – Studium Sozialpädagogik
72 – 74 – Weiterbildung Supervision
77 – 85 – Studium analytische Psychotherapie für Kinder und Jugendliche
seit 86 – autodidaktisches Studium der Bildenden Kunst, Schwerpunkt Malerei
seit 88 – Ausstellungen in Berlin und Umland
Zu meiner Malerei
Seit über 30 Jahren lässt mich die Malerei nicht mehr los. Mich fasziniert die Vielfalt von Gestaltungsmöglichkeiten und darin einen eigenen Weg zu finden. Ich gestatte mir, der Phantasie Räume auf Papier und Leinwand zu geben, indem ich mich intensiv auf den Gestaltungsprozess und den Dialog mit dem entstehenden Werk einlasse. Neugier und Auseinandersetzung begleiten mich beim Schaffen. Kunst ist für mich der immer wieder herausfordernde Versuch, etwas fassbar zu machen, was schwer zu greifen ist: Stimmungen, Gefühle, Ausstrahlung ausgelöst durch Menschen, Landschaften, Situationen, Dinge.
M. D. Januar 2017
Nr.: 20
2010 – 70 x 100
Acryl, Frottage, Mischtechnik auf Stoff
750,- €
Nr.: 19
2010 – 140 x 100
Acryl, Frottage, Tinte auf Stoff, beidseitig
990,- €
Nr.: 18
2010 – 60 x 80
Acryl, Frottage, Mischtechnik
690,- €
Nr.: 17
2012 – 50 x 60
Acryl, Frottage, Abdruck, Mischtechnik
650,- €
Nr.: 16
2005 – 48,5 x 70
Acryl, Collage, Mischtechnik
490,- €
Nr.: 13
2001 – 100 x 60
Acryl, Collage, Mischtechnik
620,- €
Nr.: 12-8
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-7
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-6
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-5
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-4
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-3
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-2
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 12-1
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
98,- €
Nr.: 11-10
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-9
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-8
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-7
2013 – 10 x 15
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-6
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-5
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-4
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-3
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-2
2013 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 11-1
2016 – 20 x 30
Mischtechnik auf CPrint, Fotoübermalung
250,- €
Nr.: 10
2000 – 84 x 60,5
Acryl, Collage, Mischtechnik
980,- €
Nr.: 7
1999 – 110 x 75
Acryl, Collage, Kreide, Mischtechnik
980,- €
Nr.: 6
2008 – 75 x 100
Acryl, Kreide, Mischtechnik
880,- €
Nr.: 5
2010 – 70 x 50
Acryl, Collage, Frottage, Mischtechnik
690,- €
Nr.: 4
2016 – 210 x 150 – 9 Bilder
70 x 50 Acryl, Collage, Übermalung, Mischtechnik
2.600,- €
Nr.: 3
2010 – 70 x 50
Acryl, Collage, Frottage, Assemblage
690,- €
Nr: 2
2010 – 70 x 90
Acryl, Frottage, Assemblage auf Stoff
690,- €
Egor Noskow (Gora’N) – wurde 1999 geboren. Moskau.
2016 absolvierte MAHL RAH an der Akademie. Surikova, Moskau.
Ein Student des dritten Jahres der Restaurierungsabteilung des Art College nach 1905 benannt.
Mitglied der Union der Künstler des Internationalen Kunstfonds.
Mitglied der Union der “Russischen Spacemen”, der Künstler ist ein Kosmist.
Mitglied der kreativen Vereinigung professioneller Künstler.
Mitglied der Gesellschaft der russischen Künstler der chinesischen Maler “Gontbou” Ausstellungen
2016 – Galerie “Vinogradov” -Vernisage Moskauer Mauler, Shodovieskistr.25, Berlin
2016- “Puppe ist auch ein Mann” МХХ, Moskau Levschinskii str..8 / 1
2016 – “Teatrum un paperen” Teatrum ARTISCHOCKEN, Nürnberg, Landgrabenstr. 139
2016- “Wintermärchen” MHF, Moskau Levshinsky per. 8/1
2016 – Grafik “Psychologie des Kosmos”, Galerie Anton Laiko-Berlin, Soldinerstr.103
2016 – Evangelische Klinik sv. Elisabet-Kesselhaus Museum in Berlin “Realismus und Abstraktion “- Herzbergstraße 76, Berlin
2017- “The Space Road” Ausstellungshalle “Tuschino”, Moskau
2017- “Teatre sur pepire” Parise, Rue Durantin 12, Franse
2017- “Space Space, IFO” Ausstellungshalle der “Star City”, der Stadt Korolev
2017- “Space” IAFM, Moskau Prechistenka 10/2
2017- “Kreative Umgebungen”, “Die Umgebung des Menschen, in der modernen Welt XXI” Zentrales Haus der Künstler, Moskau
2018- “Horizont in Bezug auf die grafische Wahrnehmung” Ausstellungshalle “Novoperedelkino” Moskau Veröffentlichung im Almanach “Realismus des XX Jahrhunderts”, Verlag INFO
2017 -lnstagram – @milena._miller. G+ Milena Miller FB – Milena Miller Art
Elena Kozlowa (Milena Miller)
wurde 1975 geboren. Moskau.
1994 schloss sie ein Studium an der nationalen Kunstakademie in Sofia (Bulgarien) ab.
Bis 1998 studierte sie an der School Of Analytical Art in Strogowа.
Seit 2007 ist sie Mitglied des Internationalen Kunstverbandes in Moskau.
2010 trat sie dem russischen Kreativverband der Künstler bei.
2012 gewann sie den W. Popкow Wettbewerb.
2008- Einzelausstellung -“Nikolai” Galerie Berlin ,Spandaustr. 23
2009- Personalausstellung “, Wo ich Seele leben” des Staatlichen Puschkin-Museum Moskau
2009-2011- “Heilige Russ.” Uglitsch Kreml
2010- Puschkin-Museum -” Big Wyazemy” Golitsyno
2010 Einzelausstellung “Walking in Moskau” Moskauer Stadtduma
2011- “ein Aufstand der Farben und Blumen” Moscow International Art Fund
2010-2014 Ausstellung von Moskau Websites “Fish Day” 2015-Kunstgalerie “Kernstuk” Berlin,Kaiser-Friedrichstr.37
2015 – 2016 Galerie “Vinogradov” Shodovieskistr. 25 ,Berlin
2015- “Art ZDX Moskau 2016 – Galerie “Vinogradov”-Vernisage Moskauer Mauler,Shodovieskistr.25,Berlin
2016 – “Teatrum un paperen”Teatrum ARTISCHOCKEN ,Nurnberg,Landgrabenstr. 139, Galerie Anton Laiko-Berlin,Soldinerstr.103
2016- Galerie ARS PRO DONO- über Schonhetspacket Wettbewerbe W. Pozdeeva .Berlin Prenzlauer Allee 191
2016- Evangelische Klinik sv. Elisabet- Kesselhaus Museum in Berlin ” Realismus und Abstraktion “- Herzbergstrabe 76,Berlin 2017- ” Teatre sur pepire”Parise, Rue Durantin 12,Franse
2017- “Momentum”-Moskau , Akademia in Baumana
2017- Galerie ARS PRO DONO ,Berlin,Prenzlauer Allee 191
2017 Art Dulfan galerie ,Berlin 14198,Zoppoterstr.7
2018 – Galerie “Palast” Berlin, Reinhardtstr.3
2018 -” Liben und labirintum” Galerie “PostArt” Berlin , Shustehrusstr.47
2018 – Galerie “Makowski” Berlin ,Friedrichstr.67-70
Ihre Werke sind regelmäßig in verschiedenen Ausstellungen zu sehen. Sie sind Bestandteil vieler privater Sammlungen in Russland, Deutschland, Israel, Italien, Kroatien, Serbien,USA, Griechenland und viele mehr. Gezeigt werden ihre Bilder im Staatlichen Puschkin Museum, im Reservat des Historischen-und Literarischen Museums „Große Wjasma“, in den Hallen der Duma und weiteren Regierungsgebäuden.
Zwischen 2009 und 2016 wurden Ihre Ausstellungen insgesamt dreizehn mal mit dem “Diplom ersten Grades” ausgezeichnet. Darunter die Gruppenausstellung „ Verse Silberstaub” In folgenden Katalogen ist sie vertreten: -Maler Enzyklopädie, Verlag OOO zivopis INFO 2008; -Internationaler Malerverband XX – Ausstellungswettbewerb W. Popkow; -Tradition russischer Landschaften, zum 150 Jubiläum I.I Lewitan, Verlag „Nasch Isograph“2011 -lnstagram – @milena._miller. G+ Milena Miller FB – Milena Miller Art Ausstellungskonzept : “WUNDERDINGE” – Clown ist nur eine Seite der unsichtbaren Medaille, die das Leben von Menschen außerhalb des Zirkus anzeigt. Clown sieht sehr lustig aus, aber er ist nur ein Punkt, der alle Blicke auf sich zieht, es ist eine mehrdimensionale Projektion vieler in einem. Große und kleine, böse, alt, lustig und traurig. Mutter und Sohn sind zwei Künstler in einem Versuch, das Bild eines Clowns zu offenbaren, der die Atmosphäre schafft.
Pablo Rodriguez
22×22 cm
200 €
Eva Raboso
Ausstellung “THE UNIVERSE OF A DREAM” von Eva Raboso
ART-TECHNOLOGY / TECHNOLOGY-ART EINE NEUE ART, EIN BILD ZU BEOBACHTEN Urban Vertical ist ein neuer künstlerischer Trend, der eine bemalte Leinwand und eine Kamera kombiniert. Wenn Elemente mit einer anderen Achse erstellt und mit einem einzigen Auge, einer Kamera und/oder einem mobilen Gerät betrachtet werden, kann der Betrachter das Bild in 3D wahrnehmen. Wenn sie also mit der Kamera spielen, werden die Autos nachgebildet, und es scheint, als könnten sie sich ins Bild setzen, sich durch die Straßen bewegen, in die Ecken abbiegen und in die Tunnel einfahren. Es ist eine Möglichkeit, Teil des Bildes zu sein, es von innen zu betrachten und sein Inneres zu kennen. Alles hat zufällig eine neue Dimension, die nur durch die Kamera wahrgenommen wird. Dieser 3D-Effekt wird von jeder Optik, jedem Sucher oder Objektiv einer Kamera oder/und eines Mobilgeräts wahrgenommen. Auch mit nur einem Auge. Es ist eine neue Art, Technologie und Kunst zu verbinden, eine neue Art, ein Gemälde zu betrachten. Um diesen neuen künstlerischen Trend zu entwickeln, musste ein spezifisches Design durchgeführt werden, bei dem die verschiedenen Elemente, aus denen sich das Gemälde zusammensetzt, mit unterschiedlichen Maßen und Achsen gezeichnet werden. Es ist eine visuelle Empfindung, die durch die verschiedenen Punkte erzeugt wird, in denen sich die verschiedenen Achsen der Elemente des Gemäldes befinden. Ein weiteres grundlegendes Merkmal von Urban Vertical ist die Farbe des Himmels im Kontrast zum Schwarz seiner Straßen und Gebäude. Es geht um Farben, die den gestalteten Raum hervorheben und ihm Tiefe verleihen. Ein Bild (Aquarium) lädt sich tagsüber auf und Teile des Bildes (Fische) leuchten bei Dunkelheit. Einige Werke von Eva Raboso können mit einem Laserpointer verändert werden. Der Effekt hält dann 30 Minuten an.
Ihre Werke werden ab der Vernissage am 10.08.2019 ab 18:00 Uhr präsentiert und alle Möglichkeiten werden gezeigt.
Wir freuen uns auf Euch.
Karo Krämer
Mit 14 bekam Karo Krämer (*1987) ihre erste Analogkamera und legte sie nicht wieder aus der Hand. Inzwischen haben sich einige digitale und weitere analoge Kameras dazu gesellt, doch das Herzstück der Sammlung ist eine alte Canon AE-1. Mit ihr entstand auch diese 8-teilige Serie. Die freie Fotografin und Videojournalistin lebt und arbeitet in Berlin und produziert Stücke für verschiedene Kultur-Redaktionen.
Britta Reinhardt studierte Freie Kunst in Berlin und ließ sich in Marokko im traditionellen, islamischen Stuckhandwerk ausbilden.
In Kindheit und Jugend verbrachte sie viel Zeit in Marokko und mit den Menschen dort. Später beschäftigte sie sich vor Ort mit der Technik und Kunst der traditionellen arabischen Stuckarbeit und den Feinheiten der Konzeption und Herstellung von Mosaiken. „Auch die Formensprache der marokkanischen Kultur hat sich auf wundersame Weise in meine Arbeit eingenistet…” Sie lebt und arbeitet im Rheinland, in Berlin und in Marrakesch. Ihre Werke sind Malereien, Skulpturen, Stuckarbeiten und Performances, immer wieder auch miteinander verbunden. Britta Reinhardts Arbeiten haben einen engen, emotionalen und inhaltlichen Bezug zu ihren wechselnden Umgebungen und den Menschen, auf die sie trifft. Sie mag es BUNT, liebt das Spontane und ist in ihrem Leben und in ihrer Kunst immer für eine Überraschung gut. Ihre Begeisterung und Leidenschaft für große Flächen und plakative Formensprache geht auf ihre Erfahrungen in einem Pariser Atelier zurück, wo großformatige Kinoplakate entworfen und per Hand gemalt wurden.
Ihre Kunst entspringt ihrem positiven Lebensgefühl. Sie möchte den Betrachter auf die Poesie des Alltags einstimmen und sein Leben bereichern. Mit ihren Bildern animiert sie den Betrachter seine Umgebung und sich selbst zu öffnen und im positiven Sinn wahrzunehmen und zu gestalten.
So entstehen Werke, die experimentell sind und in die Gesellschaft hinein wirken.
Sie nutzt die unbegrenzten Möglichkeiten zur Verschönerung der Schönheit oder der Verhäßlichung der Häßlichkeit zu widmen. Sie bewegt mit ihrer Kunst die Menschen, für die Verbesserung der Umwelt und unserer Lebensbedingungen einzutreten und für die oft schwierige Kommunikation zwischen Menschen und Kulturen sensibler zu werden.
Die Malerei steht im Zentrum ihres Schaffens.
2017
Acryl auf Leinwand
200 x 320 cm (2 teilig)
5.200,- €
Künstlerbiographie Gustav von Hirschheydt
Gustav von Hirschheydt wurde 1959 in Landsberg am Lech geboren und wuchs in Tübingen auf. Nach dem Abitur studierte er zunächst evangelische Theologie und anschliessend Humanmedizin in Tübingen, Göttingen und Berlin. Seine künstlerische Ausbildung erhielt er an einer privaten Kunstakademie in Berlin. Er arbeitet als FA für Allgemeinmedizin und freier Maler.
Das vom Vater vererbte künstlerische Talent pflegt er seit seiner Kindheit. Seinen Ausdruck findet er besonders in der Malerei, aber jüngst auch in figürlichen plastischen Arbeiten. Das Werk changiert zwischen figürlichen und abstrakten Themen. Der Künstler experimentiert mit Stilen und Formen und lässt sich bewusst nicht auf eine bestimmte Richtung festlegen. Entsprechend existieren figürliche und abstrakte Arbeiten gleichberechtigt nebeneinander. Gemeinsam ist aber allen Bildern die Vorliebe für gesättigte, kräftige Farben und Kontraste. Sein bevorzugtes Medium ist daher die Ölmalerei, die mit ihrem unerreichten Farbausdruck dieser Präferenz entgegen kommt.
Um der zeitgenössischen Kunst in Berlin einen eigenen Raum zu schaffen, gründete er 2017 eine eigene Galerie und einen Kunstbuchverlag in Berlin. Seine Arbeiten sind regelmäßig zu sehen in der Galerie Raab, Galerie Diana Achtzig, Galerie MT und in der eigenen Galerie.
Stefan Merkt … 32 Jahre Kunstwerke aus Briefmarken
Seit April 1989 erschafft Stefan Merkt seine Kunstwerke aus gewöhnlichen Briefmarken. Den Berliner Künstler interessieren dabei weniger die Informationen der Marke, als deren Farben, Formen und Strukturen. Mosaikartig werden von ihm hunderte dieser bunten Postwertzeichen zusammengefügt und übermalt. Briefmarken in Reih und Glied … allerdings nicht militärisch streng – sondern verspielt, eher tanzend als marschierend.
Inzwischen blickt er auf über 3000 Kunstwerke – sprich über 660 Quadratmeter Kunst aus Briefmarken zurück. Neben abstrakten Arbeiten bevorzugt Stefan Merkt die bunte Welt der Pop Art oder die Neuinterpretation von Comics und den expressionistischen Bildern des “Blauen Reiters” – auch Kunstobjekte gehören in sein Repertoire.
Mit bundesweiten Ausstellungen in Kulturforen, Cafés und Hotels, kleinen Galerien, Arztpraxen oder einem Fitnessstudio, einem schwäbischen Kuhstall, einem Fashion Store, einer Sauna, einer Neuköllner Punkkneipe oder einer Charlottenburger Kirche und den dazugehörigen Publikationen erreicht Stefan Merkt immer wieder Menschen, die nicht nur in Museen oder Galerien anzutreffen sind und bringt ihnen große Kunst aus kleinen Marken näher.
Die zweite Ausstellung in der MT-Galerie in Berlin im Mai 2021 ist die 942. ste Ausstellung von Stefan Merkt.
Zygmunt Blazejewski
Künstlerischen Arbeit – Malerei und Zeichnung
Interesse für Bühnenräume, Rauminstallationen und seit 2000 erstmals Großskulptur
Preise und Ehrungen
2001
Kunstpreis der Heussenstamm-Stiftung, Frankfurt am Main
1986
Nominiert für das Massimo Stipendium der Bundesrepublik Deutschland
1989/90
Theaterpreis Ruhrfestspiele Recklinghausen,
CAMILLE CLAUDEL – EINE FRAU,
Regie: Cornelia Hargesheimer
Über 30 verschiedene Werke = Auf Anfrage
Lack auf Milchfolie / mit Aufhängung
84×187,5
Nr.: 32 / 33 / 37
Je 200 €
Acryl/Leinwand/Dispersion/Leim/Pl astik Klangschale + Klöppel vergoldete Stele/Halterung
83x115x11
36(Radius)x14(Höhe)
80×96 / o:49 / u:39
Nr.: 17-002
4165 €
Acryl auf Leinwand, Laminage, Goldecken
100×80
Nr.: 17-004
1900 €
Acryl auf Leinwand/Dispersion/Leim
40×30,2
Nr.: 17-006
330 €
Acryl auf Papier, Negativdruck, mit Rahmen
40,5×30
Nr.: 17-007
330 €
Acryl auf Leinwand/Dispersion/Leim/Folie
43×24
Nr.: 17-008
395 €
Acryl auf Leinwand, Plastik, Nagel, Kette
45×45
Nr.: 17-009
510 €
Holz/Rahmen, Fotopapier (22 Rollen von 210)
62,9×24,9
Nr.: 17-014
145 €
Pressspahn, Kunststoff, Kabelbinder, Pappe, Goldlack
67,9×116
Nr.: 17-015
4760 €
Laminage, Goldlack auf Zeitungstext/-bild, Zeichnung/Filsstift, Plastik
27×85
Nr.: 17-016
145 €
Verschiedene = Auf Anfrage
Laminage, Farbe auf Folie, Klebestreifen
21×29,7
Nr.: 17-017-01
je 65 €
Laminage, Farbe auf Folie, Klebestreifen
21×29,7
Nr.: 17-018
400 €
Alex Maßhold
Andreas Altvater
Geburtsdatum: 02.12.1984
Geburtsort: Krasnojarsk, Russland
Tel: +49 (0) 1511 84 27 898 Mail:
andreas.altvater@gmail.com
Instagram: andrey.phi
Web: diese.co
Beruflicher Werdegang:
2005 – 2006 Praktikum bei RTL Television Berlin
2006 – 2008 Freiberuflicher Tonassistent -Hauptsächlich RTL-Group
2008 – 2009 Freiberuflicher Jung Kameramann -RTL, n-tv, Vox, rtl2
2009 – 2017 EB- Kameramann -RTL, n-tv, Pro7, ServusTv, ZDF, ARD, Sat1… (unertanderem)
2010-2015 Musik Videos der HipHop Band “EGOLAND“
2013-2017 DOP bei Internationalen Doku Formaten (Image, Werbung, Tv) -Panasonic, Essens, Dong Energy …
2015-2017 #mobile_art – A.Ф (Freischaffender Künstler)
seit 2008 bis Heute
Freiberuflicher Kameramann, Künstler und Filmemacher, Berlin
Showreel: www.vimeo.com/120847427
TV
Diverse Beiträge und aktuelle Berichterstattung für RTL Television / Exklusiv, Punkt 6,9 & 12, Aktuell, Extra, Explosiv
Beiträge für N-TV Nachrichten, N-TV Deluxe
Pro Sieben / Div. Beiträge für Taff / Galileo/ Urlaubs Crasher / Service Extrem
Sechs Monate EB-Kameramann für Servus TV (Östereich/ Wien) – In Style
Beiträge für VOX – Shopping Queen, Die Einrichter, Prominent, Mieten Kaufen Wohnen
rtl2 / News, Family Stories, 100 Tage Reportage
RTL 4 / Niederlands / News
Sat1 / Akte 012/013/014/014,015,016 / Magazin
Az Media / 30 Minuten Deutschland
Dokumentation
Tchernobyl – 20 Jahre Danach 2015/2016
Tripple X Schiffe – Giganten auf Reise 2015/2016
SWR / Schlaglicht Die Reportage – Schwertransport 2009
Stroke / Urban Street Art
Image
Filme Offshore – Image & Corporate Filme für: ENBW – Vattenfall – Dong Energy Produzent: Daniel Baar / Weltenangler DOP: Andreas Altvater
Knoop & Kollegen Notar und Rechtsanwälte / Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold
FSE Förderung Sozialer Einrichtungen gGmbH / Pflegeeinrichtungen: Treptow – Johannisthal, Käthe Kollwitz Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold
Reach Local GmbH / Job, Karriere und Team / Deutschland
W.O.M World of Medice / Messefilme / Deutschland
Lemke Vison / Messefilme
Hotel Image Filme: Olver Apart Hotel, Castell Hotel, Artim Hotel
Musik Videos / Kurzfilme
Egoland – alle Musik Videos (ca. 30 Musikvideos ) www.youtube.com/user/jutegangtv Planetensystem 2015/2016 Migration 2015 Das Kleine Büro 2014 Antination 2013
Lucry & Nico (ca. 15 Musikvideos ) Autopiloten 2011-2012
Exklusiv (feat. Teesy), Redet Aber Sagt Nichts, Nachklang, So Schön / Regie: Andreas Altvater Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold
Madmax – Here We Are / 2010 Regie: Andreas Altvater Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold Making Of: Ingo Blacher
Magvay & Novskyy feat. Benni Fridge – Mir Geht Es Gut / Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold Making Of: Ingo Blacher
Beni Fridge Urban Sleeper / ANDREAS ALTVATER Kameramann VITA 2017
Regie: Andreas Altvater Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold Making Of: Christian Craciun
Big Deal – Kurzfilm Regie Zejnula Sahiti Kamera: Andreas Altvater/ Alex Masshold 2 Kamera: Ingo Blacher
Werbung
Enexy – Harris / Jopi Heesters Produktion: Jocker Productions Regie: Christopher Böhnke 1 Kamera: Uwe Irsinger 2 Kamera:Andreas Altvater
Nr.:24
Acrylglas Galleryprint
40×40
250,-€
Gregori Levit
22.01.1998 in Berlin geboren
Jüdisch / russische Wurzeln
Hatte schon als kleiner Junge künstlerische Ambitionen
Seine spirituelle Eingebungen, sowie intensieve Naturverbundenheit inspirieren ihn aus dem Kopf, Gemälde in Öl entstehen zu lassen.
Er ist ein Allrounder und Naturtalent. Restauriert u.a. antike Möbel, Bilder etc.
Sonderaufträge sind möglich.
Die ausgestellten Werke können ohne, oder auch mit antikem Rahmen vor Ort während der Ausstellung sofort erworben werden.
Künstler ~ Maler ~ Restaurator
Gregori Levit
Born in 1975 in Cameriono
school
1981-1986 Scuola Elementare Viale trento – primary school in Fermo
1986-1990 Scuola Media Ugo Betti – Middle School in Fermo
1990-1996 Instituto d’Arte, sezione metalli, Umberto Preziotti – Artistic High School in Fermo
Higher Education
1996-2001 Accademia di belle arti di Macerata – Art Academy laureato in pittura – statements as a painter
Work experience
2001-2012 Exhibitions in Italy
2012-2014 Power Art in southern Italy: collective exhibitions with curator Mimmo Domenico Di Caterion
2014-2016 exhibitions in Berlin in collaboration with Fred Laur
20.03.2015-27-03-2015 collective exhibition at the Wolf-Theater
03.04.2015-09-04-2015 Own Exhibition in “Das Kapital”
neukölln 26.06.2015-28.06.2015 48 hours. Collective exhibition in the Artgaragen
10.07.2015-11.06.2015 Exhibition “The Fox and the Dove” in the Artgaragen
14.09.2015-20.09.2015 Berlin Art Week. ECC Weißensee on 2 corridor
01.02.2016-2016 “Food is life” Restaurant Fellas
Born in 1982 in Tartu, Estonia
Training
2013-2014 University of the Arts, Prof. Josephine Pryde
2010-2014 Estonian Academy of Arts, Photography
2002-2004 School of comunication, Photography
02.2013-07.2013 internship in gallery After the Butcher and assistant for Thomas Kilpper
Occupation
2008-2012 Estonian Academy of Arts. Department of Photography, Master in the photo lab
2006-2008 KOKO Architecte, Photo Wizard
Work Experience
2004-2010 Kollektivausstellund “Side Loepp” in Kiek in the Kök Happening “Twister old egodel” with Ottic Perfomance in EKA G with A. Parve Collective exhibition TASE in EKA
2013-2016
07.12.2013-11.01.2014 group exhibition “Still alone, career soap?” in After the Butcher
Exhibitions in collaboration with Walter Santoni
20.03.2015-27.03.2015 Collective exhibition in Wolf-Theater
03.04.2015-09.04.2015 Own Exhibition in “Das Kapital”
26.06.2015-28.06.2015 48 hours Neukölln. Collective exhibition in the Artgaragen
10.07.2015-11.06.2015 Exhibition “The Fox and the Dove” in the Artgaragen
14.09.2015-20.09.2015 Berlin Art Week. ECC Weißensee on 2 corridor
01.02.2016-2016 “Food is life” Restaurant Fellas
Nr.: 11
60 x 60 cm
800,- €
Nr.: 21
113 x 92 cm
1000,- €
Deda Rätz
Drawing, painting, graphics
lives and works in Neuenhagen
born in Stendal 1957
1980 first autodidactic attempts of artistic exploration of different styles of painting mainly works with wax and Japanese ink
Training in pedagogical – artistic field
occupation in precisely this area
five-year stay in Egypt
Solo exhibitions (selection)
1986 Egypt (Cairo)
1998 New Hagen Gallery Rhode
exhibitions
2000 New Hagen Gallery Rhode
2005 Berlin -Reinickendorf, Rathaus
2011 participation Brandenburgischer Kunstpreis
Kalenderblatt IHK Frankfurt / Oder
